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JÖRG BUTTGEREIT’S NEKROMANTIK

2 septiembre 2014 Deja un comentario

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SORDIDEZ, PODREDUMBRE, TONOS OCRES, CASQUERÍA, SUCIEDAD Y AMOR. INTENSO AMOR MÁS ALLÁ DE LA MUERTE Y DEL TIEMPO

 El 29 de enero de 1988 se estrenaba en el cine Sputnik de la por entonces Alemania del Este  una bomba de relojería cuyos ecos siguen resonando hoy en día, 27 años después. Nekromantik llegó para escandalizar y no solo lo consiguió holgadamente con  el espectador medio,  sino también con el aficionado al cine, incluido al del cine de terror más extremo, cuya mente y estómago estaban lejos de estar preparados para la propuesta del joven Jörg Buttgereit.

 ALEMANIA SE DESPEREZA

Tuvieron que pasar unos años para que en  España nos enteráramos de la existencia de este loco teutón  y de sus películas y fue, naturalmente, mediante los fanzines. Debemos situarnos a comienzos de los noventa con  un Jörg Buttgereitt que ha dirigido un buen puñado de cortos y dos largometrajes más: la muy interesante e infravalorada Der Todesking (1990) y la segunda parte de Nekromantik en 1992, que mejora y amplia lo propuesto en la primera. Tanto el fanzine valenciano 2000 Maníacos como Zineshock (realizado por el futuro cineasta Jaume Balagueró),  Annabel Lee y otros, se hicieron  cargo de presentarnos a los artífices de lo que se dio en llamar ultra-gore alemán,  efímero fenómeno underground que englobaba, además de al pionero Buttgereit, a  Christoph Slingensief (The German Chainshaw Massacre, 1990), Andreas Schnaas (Violent Shit, 1989 y Zombi 90- Extreme pestilence) y  Olaf  Ittenbach (Black Past, 1988 y The Burning Moon, 1992). Un movimiento que algunos vieron como un brote verde en ese desierto que desde los pioneros mudos representa Alemania para el cine fantástico y de terror.

Ya desde el principio Jörg Buttgereit prefiere no alinearse con todos esos directores a  pesar de tener en común con ellos la juventud, el origen y la crudeza de sus imágenes. Se considera, y con razón, ajeno a ese movimiento y  diferente a todos ellos, cuyas obras considera aburridas. Y es que en general lo que ofrecen es puro exceso visual cercano al amateurismo desprovisto del supuesto compromiso intelectual y la carga de profundidad que contienen las obras de Buttgereit, con la muerte siempre como protagonista y nexo de unión.

Flyer de la inauguración de la tienda Gorgon.

Flyer de la inauguración de la tienda Gorgon.

Pero teníamos que conformarnos con leer sobre todo ello, ya que en esos años de VHS y con Internet todavía como utopía, no había en España ninguna forma de hacerse con ese cine raro. Una situación que pronto cambiará. Primero mediante catálogos en los que los propios coleccionistas venden e intercambian copias de sus películas. Y más tarde con el nacimiento de las primeras tiendas especializadas.  En mayo de 1995 abre sus puertas en Barcelona Gorgon Video, tienda que apostará por acercar a los fanáticos del género películas de importación, títulos descatalogados o difíciles de localizar, así como merchandising y publicaciones. Un sueño para nuestras almas y una pesadilla para el bolsillo. La inauguración coincide con el lanzamiento de las dos películas de la saga  necrófila de Jörg Buttgereit de la mano de Strong Video, subsello de Manga Video. Unas ediciones de lujo que salen al precio de 2995 pesetas y que gozan de unas ventas lo suficientemente interesantes como para animar a Manga a lanzar poco después otros largometrajes del director, como  Der Todesking y Schramm. También se comercializan unas camisetas para la ocasión y el evento se torna en inolvidable al contar con la presencia del propio director y de la actriz protagonista de la segunda entrega, la atractiva Monika M., que rubricarán con su firma todo lo que los fans les pongan por delante. Por fin con ambos títulos en nuestro poder y  la sensación de poseer un material prohibido, pudimos juzgar la epopeya necrófila con conocimiento de causa.

Monika M. y Jörg Buttgereit en Gorgon (Barcelona, 1995)

Monika M. y Jörg Buttgereit en Gorgon (Barcelona, 1995)

Y la espera valió la pena.

PERO… ¿DE DONDE DIABLOS SALE JÖRG BUTTGEREIT?: SUS PRIMEROS PINITOS

Nacido en  Berlín en 1963, compra a los 14 años su primera cámara súper-8 y rueda todo lo que se le pone por delante, incluido su padre (Mein Papi, 1982). Cuando se desatan sus hormonas se acerca a la escena punk y New Wave berlinesa y rueda sobre ella algunos cortos que proyecta donde puede. En estos primeros trabajos demuestra también su afición por el cómic y el cine, especialmente de terror, con pequeñas piezas como Captain Berlin – Retter der Welt (1982), un corto en el que el mismo Buttgereit encarna a un súper héroe casero ataviado con un mono amarillo como el de Bruce Lee en The Game of Death, máscara de Spiderman y capa con el 302307_112179642230890_154544619_nescudo de la ciudad que le da nombre, uniforme con el que se enfrenta contra unos villanos reclutados entre sus colegas punks.  O Horror Heaven (1984), una película de episodios dedicada a Boris Karloff en la que el director ejerce de presentador y que reúne pequeños sketches con los que homenajea a sus monstruos favoritos, como la momia, Frankenstein e incluso Gamorra, un sosias de Godzilla que rueda en stop motion. Pero es con Hot Love (1985), un mediometraje sobre un tipo que al abandonarlo su novia se suicida, retornando para vengarse como zombie, con la que el director comienza a hacerse un nombre. La tosca pero más cuidada factura de Hot Love, primer rodaje que aborda en 16 milímetros, es todo un antecedente de su siguiente trabajo, el largo Nekromantik, y en él podemos reconocer a su protagonista común, Daktari Lorenz, que también se encarga de parte de la música junto al refinado John Boy Walton, que jugará también un papel importante en las dos entregas necrófilas. Tras visionar Hot Love Manfred O. Jelinski, un cineasta y productor, se interesa por Buttgereit accediendo a poner dinero y medios para su próximo proyecto, tras el que unirán sus carreras hasta la actualidad. También Hot Love será la primera obra de Buttgereit en recibir ataques de  autoproclamados guardianes de la moral, en este caso de las feministas, que acusarán la obra de misógina, causando su prohibición en algunos lugares.

Eso solo era el principio.

NEKROMANTIK

“El sexo y la muerte son las raíces de todo. Quiero que la gente, al ver mi película, se sienta fascinada por la muerte, que la acepte.”[1]

$(KGrHqYOKpkFJsyPK904BSb()CmP3!~~60_57El primer largometraje de Jörg Buttgereit narra las desventuras de Robert Schmadtke (Daktari Lorenz), un joven que  trabaja en una empresa que se encarga de retirar los cadáveres y despojos resultantes de accidentes. De vez en cuando, y siempre que sus compañeros no se percatan, Rob se lleva a casa algunos restos que conserva en formol, una afición compartida con su novia Betty (Beatrice Manowski). Un día consigue todo  un cadáver en avanzado estado de putrefacción con el que la pareja mantendrá un romántico menage à trois. Pero todo se desbaratará para el inestable Rob cuando Betty, que mantiene una creciente relación con el difunto, huya con él. El abandono de ambos desatará el progresivo enloquecimiento de Rob, que inconsolable e incapaz de satisfacerse tras bañarse con las vísceras de un gato que ha matado, o copular con el cadáver de una prostituta que asesina, decidirá cometer un suicidio ritual con el que alcanzará su último orgasmo.

Si bien en otras ocasiones se había tratado el tema de la necrofilia (tal y como podemos ver en estas páginas) nunca hasta Nekromantik nos fue mostrada de forma tan explícita,  pero a las vez tan extrañamente romántica. Un romanticismo que el director extiende también hacia el suicidio, “La idea de que alguien disfrute de su propia muerte –con el suicidio como algo positivo, incluso un final feliz- fue muy tentadora para nosotros”.[2]

En la sordidez y el feísmo de sus imágenes tiene, y mucho, que ver su rodaje casi amateur realizado en 16 milímetros, que confiere una factura documental al film: “Trabajamos con una fotografía granulosa (tampoco teníamos dinero para utilizar 35 mm), y todos los actores eran amigos, no profesionales. Conseguimos que la gente no supiera  muy bien si estaba viendo un documental o una película de ficción”[3]. La actuación del protagonista, Daktari Lorenz, contribuye a dar verosimilitud al conjunto con una interpretación efectiva y nada histriónica, ajustada al tono del relato.

Beatrice Manowski en compañía.

Beatrice Manowski en compañía.

Este realismo descarnado lo alterna Buttgereit con escenas oníricas y surrealistas que apoyadas con su excelente banda sonora aportan un aspecto artístico al filme que lo aleja definitivamente de los parámetros del gore más festivo, aproximándolo a una especie de arte y ensayo europeo que resultará molesto para ciertos sectores de aficionados al cine de terror. Pero no hay que pensar en Buttgereit como un pedante elitista, ya que como veremos más adelante se permitirá también parodiar el cine de arte y ensayo en un segmento de Nekromantik 2.

Lo más sorprendente es que todo esto está realizado artesanalmente por sus entusiastas artífices. Todos ellos rabiosamente jóvenes e inexpertos que trabajaron tenazmente sin cobrar. Los efectivos efectos especiales los elaboran Daktari, Jörg y Franz Rodenkirchen, co-guionista y actor también en el film, siendo el mayor gasto de la producción el cuerpo, construido por Daktari y  Jörg que salió por unos 100 euros.

El director y el tercer protagonista de Nekromantik.

El director y el tercer protagonista de Nekromantik.

Otro de los factores importantes que contribuye a hacer de Nekromantik un film inolvidable es la banda sonora, compuesta por el propio Daktari Lorenz y  Hermann Kopp, en la parte más electrónica y John Boy Walton en la vertiente más melódica, dando como resultado una magnífica banda sonora que ha sido editada y reeditada en diversos formatos.

Una vez finalizada, la película se estrena en el cine  Sputnik de Berlín ante 500 espectadores. Al existir una única copia, esta va circulando de un cine a otro, pasando por Munich, Hamburgo y otras ciudades y recalando en un festival en Inglaterra que propicia su posterior pase en diferentes festivales de Estados Unidos.

El director, que ahora cuenta con la infraestructura y el apoyo de Manfred O. Jelinski, edita la cinta en formato VHS y la comercializa mediante un catálogo de venta por correo que pronto se amplía con diverso y atractivo merchandising: camisetas y pósters con la icónica imagen del cartel, realizado por Andreas Marschall utilizando como modelo a Susa Kohlstendt, presente también en la película como la rubia víctima de un psicho killer enmascarado (interpretado por Franz Rodenkirchen). Otro de los artículos que se pone a la venta y que tendrá gran éxito, tal y como hemos comentado, será la banda sonora.

Para el crítico y escritor Jesús Palacios, Necromantik resulta “Vomitiva, grotesca, pero hipnótica en su capacidad de mostrar con insistencia  y detalle el último tabú, quizá, de las pantallas: la necrofilia, pero no en sentido metafórico ni suavizado por momificaciones, reencarnaciones o embalsamamientos, sino en carne muerta y putrefacta, en primer plano y que casi hiede en la pantalla.”[4]. Y es que “Más que rendir culto a la fantasía, (Buttgereit) adora el hiperrealismo como lo podría adorar John Waters[5]

El lento ritmo del film, sin duda añade valor al resultado, tal y como indican Mike Hostench y Jesús Martí: “Precisamente este ritmo cansino es el que provoca la sensación de asfixia en el espectador. Las secuencias parece que se alarguen hasta la saciedad y dotan a las imágenes de un poder demoledor.”[6]

Para Manuel Valencia y Eduardo Guillot: (…) “todas estas aberraciones son servidas sin recurrir al mal gusto –y eso es lo peor-; al contrario, Buttgereit se cobija en el arte y ensayo, empleando el ralentí, los planos difuminados, el delicado acompañamiento pianístico, una opresiva fotografía ocre, evitando los diálogos y tomándose todo el tiempo del mundo para describir una escena, por insignificante que ésta parezca”.[7]

Buttgereit junto a Dario Argento.

Buttgereit junto a Dario Argento.

Aunque naturalmente también hubo voces discordantes con el resultado final: (…)”No se puede hablar de Nekro como una buena película, ni siquiera podemos referirnos a ella como un trabajo correcto. (…) una clara intención de escandalizar en todo momento impide a Jörg Buttgereit ser más preciso en sus encuadres y adecuarse a lo narrado. Se exageran las aficiones enfermizas de los protagonistas hasta lo risible[8].

Como vemos, la obra de Jörg Buttgereit le convierte en un cineasta de culto querido y odiado a partes iguales. Sus películas no dejan indiferente. Y es que ver Nekromantik en los noventa significa ver algo rabiosamente nuevo, rompedor, independiente, joven y perturbador. Un secreto compartido que podía perdurar en el tiempo tanto como sus imágenes y su música en nosotros. Así que no podemos más que coincidir con la profética sentencia que escribió el, por entonces en ciernes, cineasta Jaume Balagueró al clasificarla (…) “una pieza de culto indiscutible y una de las obras más obscenas y transgresoras de los últimos tiempos[9]. Características que ocasionaron que la película fuera prohibida en varios países, entre ellos Inglaterra, donde los videos eran interceptados en la aduana, lo que obligó a Buttgereit a buscarse un contacto en ese país al que le envió un master para que, desde el interior de Inglaterra, copiara y enviara el film a los clientes que de allí lo solicitaran, limitándose el director a enviar la carátula.

Tras Nekromantik, Buttgereit rueda Der Todesking (1990), una propuesta tanto o más arriesgada que su predecesora, pero incomprendida: “Es una película muy poco comercial, tal vez sea arte y ensayo. En cierta manera creo que es más ofensiva que Nekromantik, pero no quiero animar a la gente al suicidio, igual que no quiero que la gente se folle un cadáver  después de ver Nekro. Ese no es el mensaje, simplemente es una película sobre la muerte[10].

Hermann+Kopp+Daktari+Lorenz+John+Boy+Walton+The+An+Der+Todesking+1990El film muestra siete formas de suicidarse, con un cadáver en descomposición como nexo de unión  entre las diferentes historias. Milagrosamente esta película si que pudo exhibirse en Inglaterra con la clasificación de no apta para menores de 18 años aunque, eso sí, con cuatro segundos censurados[11].

A continuación el director decide retomar Nekromantik rodando una secuela directa, pero enfocada desde otra óptica: “Nekro 2 es totalmente diferente, mucho más sentimental. Y está contada desde el punto de vista de una mujer”.[12]

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En un cementerio una joven roba el cadáver del necrófilo Rob. Monika (Monika M.), atraída por todo lo que representa a la muerte, mima e intimida con el cuerpo pero no puede evitar que también le repugne. Un día en un cine conoce a Mark (Mark Reeder), doblador de películas porno con el que inicia un romance, decidiendo poco después deshacerse del cuerpo de su amante inerte despedazándolo en la bañera. Pero conserva dos partes de Rob: su cabeza y su sexo.

Mark nota que su novia es extraña y Monika no es feliz con las muestras de vitalidad de su amante, así que tras meditar en la playa decide quedarse con lo mejor de ambos y mientras hace el amor con Mark lo decapita, cambiando su cabeza por la de su podrido  amante Rob mientras el cuerpo de Mark tiene un último orgasmo. Tiempo después Monika averigua que está embarazada.

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Nekromantik 2 se rueda entre septiembre y octubre de 1990 y puede presumir de tener  un mejor acabado que la primera parte. La historia también está mejor construida y refleja mejor la intensa y enfermiza historia de amor que los guionistas, de nuevo Jörg y Franz, nos proponen. La forma de narrarla sigue enmarcando esta película en una especie de arte y ensayo brutal, violento, sincero y visceral.

Aunque no resulta obvio, el director incluye en sus películas pequeñas pinceladas de humor, sobre todo en esta segunda parte, como la parodia de My Dinner with Andre (Louis Malle, 1981), film en el que dos amigos hablan durante casi dos horas mientras comen. La caricatura de este film de Malle es la que va a ver Mark al cine donde conocerá a Monika, su ángel de la muerte.

Los actores también serán un punto importante para dar credibilidad a tan inverosímil trama, especialmente la actriz que interpreta a la protagonista Monika. Para encontrarla pusieron un anuncio en prensa llegando a realizar una cuarentena de pruebas, consistente en improvisar una escena de amor con el cadáver. Directo al hueso. Pero ninguna actriz les gustó lo suficiente. Afortunadamente la suerte quiso que esa misma noche Franz Rodenkirchen fuera al cine a ver una película de Lucio Fulci y se quedara embelesado con una de las espectadoras. Tras la película se acercó a ella y le preguntó si le interesaría participar en la película. Casualmente la muchacha había visto Der Todesking y aceptó. Se trataba de una bella novata que se bautizaría como Monika M.

Monika M. y uno de sus amantes en Nekromantik 2

Monika M. y uno de sus amantes en Nekromantik 2

Mark Reeder, que interpreta al amante ‘vivo’, ya había intervenido en Der Todesking. Posiblemente Buttgereit vio en Reeder todo el patetismo que le abocará a perder la partida ante el tercer vértice del triángulo amoroso, su competidor muerto, que no es otro que Rob, el personaje interpretado por Daktari Lorenz en la primera película y que aquí está presente en forma de hediondo cadáver[13]. En cuanto a la protagonista de la primera entrega, Beatrice Manowski[14],  tiene una pequeña aparición en el cementerio, contrariada por haber llegado tarde para robar el cadáver de Rob, ya que se le ha adelantado Monika.

El ambiente de rodaje, como puede verse en el making of, fue de lo más distendido, aunque le ocasionó una úlcera al director. “Monika y Mark se llevaban bien, lo que no podía decirse de Daktari y Beatrice. Casi todos se enamoraron de Monika durante el rodaje. Y este sentimiento puede notarse en los fotogramas. Era muy importante para mí que el público estuviera de parte de Monika, incluso aunque cometiera esos actos terribles”.[15]

La historia reincide en un punto en común con la primera entrega: “Nekro 1 y 2 son películas sobre la superación dolorosa de un trauma o de un conflicto. En la primera, Rob acaba con su soledad necrofílica apuñalando su propio cuerpo y eyaculando sangre en una suerte de purificación  erótica y mortal. (…) En la segunda, Monika sustituye la cabeza de su amante vivo por la de su amor muerto, en un acto último de curación de su sufrimiento. Más allá del usgo o el disgusto que tales imágenes pudieran ocasionar, constituyen momentos de una intensidad asombrosa, emoción pura. Al margen de las apariencias, esta es una verdadera –y muy particular- historia de amor[16].

Jörg y Monika

Jörg y Monika

Los efectos especiales están mucho más elaborados, contando con un especialista en la materia, Sammy Balkas, lo que no impide que al igual que sucede en la primera parte se muestre una repugnante e innecesaria evisceración, en este caso de una foca,  que se intenta justificar otorgándole una explicación psicológica.

También la música juega un importante papel en la película, y en esta ocasión además de John Boy Walton y Hermann Kopp, colabora la propia Monika M., que canta con su seductora voz Squellette Delicieux, canción que en forma de  sorprendente y surrealista  video clip irrumpe inesperadamente en el metraje.

Con el film terminado comienza su exhibición en Alemania, pero el 19 de junio de 1991, a los cinco minutos de iniciarse el pase de Nekromantik 2, la sala de cine  Werksstattkino de Munich es asaltada por la policía, que confisca la copia y todo el material de propaganda relacionado con la película por orden del fiscal de Munich Herbert Freund:  “Acababa de llegar de Paris donde estaba negociando con Kara Films, una pequeña compañía  que quería distribuir el primer Nekromantik en Francia, y cuando vuelvo a Berlín me encuentro con la cruda verdad de que una copia de Nekro 2 había sido secuestrada por la ley en Munich. Después de doce fabulosos días de exhibición, estos tipos irrumpieron en la cabina de proyección y se apoderaron del film. La decepcionada audiencia tuvo que ver Blood Feast en su lugar. ¡Pobres almas![17]

El fiscal acusa al film de “propagar la violencia y carecer de valor artístico”. Una acusación de la que el director se defenderá: “No creo que haya mucha violencia en ninguna de mis películas. Hay más violencia en cualquier film de terror comercial, mostrada de forma que resulte divertida, haciendo reír a la gente. Nekromantik es sobre todo una historia de amor, romántica, y si hay violencia es porque, aunque no sea buena, esta violencia existe”[18]. Pero la acción del fiscal no finaliza ahí, ya que también ordena -sin juicio ni condena de por medio- la destrucción de los negativos y de cualquier material relacionado con la producción.

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Afortunadamente la localización de esos originales va a resultar infructuosa, ya que  Buttgereit y Jelinski reparten entre varios amigos todo el material para evitar que sea confiscado. Pero eso no impide que Nekromantik  2 esté prohibida en Alemania y que sea ilegal proyectarla, promocionarla, vender la película e incluso camisetas sobre ella.

Buttgereit no se amedrenta y compaginando su trabajo como proyeccionista en el cine Xenon, que conservaba desde 1985, promociona sus películas en otros países, de modo que su díptico necrófilo también desembarca en España.

Si bien uno de los primeros pases de Nekromantik es en Barcelona dentro del Ciclo de Cine Oscuro y Brutal que se celebra en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias de la Información[19], el primer gran festival interesado en proyectar Nekromantik en pantalla grande es la  Mostra de Valencia, pero durante un pase previo vomita la esposa de uno de los organizadores, ocasionando que se suprima del programa y cediendo así la primicia al III Festival de Cine de Terror de San Sebastián (1992), donde cuentan con la presencia del director: “Hice mi primera conferencia de prensa real. Con un traductor y doce  importantes miembros de la prensa[20]. Los dos pases organizados agotan las entradas y la película es vista por cerca de 1200 personas.

Pero allá donde va se encuentra con incidentes y anécdotas: en Oslo (Noruega) donde acude con Nekromantik y Der Todesking, la policía irrumpe en una sala donde hay congregados 700 espectadores interrumpiendo la proyección alegando que la necrofilia está prohibida en Noruega. Y de nuevo en España, en esta ocasión durante el Festival de Cine de Gijón, donde el director acude con sus dos Nekromantik, una mujer se angustia tanto que salta de su asiento y abandona la sala. Buttgereit se ofrece a ayudar y en el vestíbulo, reconociéndole como el director del film, la espectadora le  espeta “Tú ¿Cómo has podido hacerme esto a mí?”

Incidentes que con carácter de anécdota no hacen más que incrementar la fama de los filmes y de su director, que en 1995 desembarca también en el Festival de Sitges.

El director con Ray Harryhausen en el festival de Sitges.

El director con Ray Harryhausen en el festival de Sitges.

En julio de 1993, un año después del ‘incidente’ de Munich con Nekromantik 2 prohibida en Alemania y ante la imposibilidad de encontrar el negativo, la justicia ofrece a Buttgereit y Jelinski retirar los cargos (que podrían dar como resultado una buena multa, así como pena de cárcel) a cambio de que no proyecten nunca más su película, medida a la que no solo se niegan, sino que desafían abiertamente al proyectar su película en suelo alemán, concretamente en Leipzig, aunque eso sí, sin ningún tipo de promoción.

Finalmente el juicio se desarrolla durante medio año y lo ganan los cineastas en febrero de 1994, siendo por fin Jelinski y Buttgereit libres de exhibir y distribuir Nekromantik 2. Para el feliz desenlace resulta fundamental la intervención en el juicio del Dr. Nut Hickethier, que aporta un informe en el que escribe que la película no es solo sobre necrofilia, sino también una metáfora del declive de la Alemania del este  y los efectos de la caída del muro de Berlín. Como resultado warnerde ese informe “el jurado llegó a la conclusión de que el arte justificaba la violencia[21]

Pero otro encontronazo con la ley les esperaba a la vuelta de la esquina, cuando en 1996 Warner Bros les acusa de plagiar su histórico logotipo, así que se verán obligados a retirar todas las cintas de video y el material con el susodicho impreso, ante la posible denuncia de la major. Realmente el que un gigante como Warner se hubiera percatado de la existencia del  pequeño sello Jelinski / Buttgereit era, indudablemente, un buen síntoma de la trascendencia que estaban tomando las obras del director, a costa de la bonita úlcera que Jörg Buttgereit conserva como recuerdo de aquellos años.

El sello japonés New Select edita en video Nekromantik, pero de una forma un tanto truculenta: junta ambas partes, corta escenas y pixela todos los genitales.

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En 1993 el director filma Schramm, su radical y provocativa visión de un asesino en serie cuyo rodaje, al estar todavía por entonces el director inmerso en  problemas legales, tuvo que iniciar parapetado tras el kafkiano seudónimo de Josef K. Tras este largometraje la carrera cinematográfica de Buttgereit se ralentiza. Realiza video clips  para los grupos Shock Therapy y Fleischmann y trabajando de supervisor de efectos especiales en El condón asesino (Das captainKondom des grauens, 1996, Martin Walz) donde también tiene un pequeño papel su compinche Daktari Lorenz. Pero el cine da paso a libros, teatro y cómics en los que ha resucitado a su Captain Berlin  y reinterpretado, siempre con su particular punto de vista, a Ed Gein, John Merrick y otros personajes. Todo ello manteniéndose ferozmente libre e independiente, algo que ya tenía claro desde sus inicios: “Prefiero hacer las cosas a mi manera que ganar dinero. He recibido ofertas de productoras, pero tengo miedo de que cuando acepte su dinero me digan lo que tengo que hacer”[22]

Afortunadamente, justo cuando escribo estas lineas, Jörg Buttgereit está rodando de nuevo cine de terror, concretamente el segmento Final Girl para el largometraje German Angst, que comparte junto a Andreas Marschall y Michal Kosakowski, una noticia que sus seguidores esperábamos desde hacía tiempo. Y  para hablar tanto de nuevos como viejos proyectos nos pusimos en contacto con él para mantener una distendida conversación que en breve tendrán en está, su página amiga.

LECTURAS RECOMENDADAS
- SEX MURDER ART. THE FILMS OF JÖRG BUTTGEREIT David Kerekes Headpress 1994. Segunda edición ampliada y revisada 1998.
- NEKROMANTIK Ed. Jörg Buttgereit. Ed. Martin Schmitz 2007 en el que hay 6 artículos que analizan el cine y la época del director ilustrado con fotografías del propio Buttgereit.

[1] Buttgereit en Palacios, J. Goremanía 2. Alberto Santos Editor. Madrid, 1999. Pág. 128

[2]   Jörg Buttgereit en Kerekes, D. Sex Murder Art. The films of Jörg Buttgereit. Headpress, Inglaterra, 1994. Segunda edición ampliada y revisada (1998). Pág. 37

[3]  Íbidem. Pág. 127.

[4]   Palacios, J. Goremanía. Alberto Santos Editor, Madrid, 1995. Pág. 173.

[5]  Sánchez, S. en libro XXVIII Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges, 1995.

[6]   Hostench, M. y Martí, J. Pantalla de Sangre. Editorial Midons, Col. Serie B Nº 8, Valencia, 1996. Pág. 100-101.

[7]   Valencia, M. y Guillot, E. Sangre, sudor y vísceras. Historia del cine gore. Ed. La Máscara, Valencia, 1996. Pág. 195.

[8]   Lardín, R. Annabel Lee 4. Sabadell (Barcelona), diciembre 1993. Pág. 11.

[9]   Balagueró, J. Zineshock 2. Barcelona, otoño de 1991. Pág. 15.

[10]  Jörg Buttgereit en Lardín, R. Las diez caras del miedo. Editorial Midons, Serie B Nº 11, Valencia, 1996. Pág. 57.

[11]   Los que muestran una dolorosa castración.

[12]   Jörg Buttgereit en Valencia, M. ‘La poesía de la podredumbre’. 2000 Maníacos Nº 12. Valencia, marzo de 1993. Pág. 82.

[13]  Aunque como puede verse en el documental Corpse Fucking Art (1987), que reúne en video los making of de Nekromantik, Der Todesking y Nekromantik 2, el molde del cuerpo se tomó de otro modelo y no del actor.

[14] Es interesante y curioso constatar que de todos los participantes en la saga Nekromantik, esta actriz ha sido la que ha mantenido una carrera más prolongada en cine y, sobre todo, televisión.

[15] Jörg Buttgereit en Kerekes, D. opus cit. Pág.  81

[16] Lardín, R. Opus cit. Pág. 10

[17] Jörg Buttgereit en Kerekes, D. opus cit. Pág.  78

[18] Jörg Buttgereit en Palacios, J. Goremanía 2. Alberto Santos Editor. Madrid, 1999. Pág. 126.

[19] Organizado por el fanzine Zineshock, el pase contó con posterior coloquio con la participación de Román Gubern, además de Manuel Valencia y Manuel Romo (2000 Maníacos) y Albert Lessan y Jaume Balagueró, organizadores e integrantes de Zineshock.

[20] Jörg Buttgereit en Kerekes, D. opus cit. Pág. 96

[21] Íbidem, Pág.  61

[22] Jörg Buttgereit en Palacios, J. Goremanía 2. Alberto Santos Editor. Madrid, 1999. Pág. 128

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El amanecer del planeta de los simios: el valor de la confianza

El Amanecer del Planeta de los Simios_PosterPreguntado recientemente a  Colin Arthur su parecer sobre los CGI, afirmaba que cada época les brinda nuevos medios a los creadores con los que pueden dar expresión a su arte, de modo que los efectos digitales permiten soluciones que antes no podían alcanzarse. No había nostalgia en él respecto a los FX de antaño, y, sin embargo, sí concluía que pese a todo las nuevas criaturas digitales no llegan a tener alma. Sin duda, si llega a ver los logros de la nueva saga del planeta de los simios, matizará aún más su opinión. Porque los nuevos primates de El amanecer del planeta de los simios, interpretados digitalmente,  sí capturan el alma de sus personajes.

Es inevitable empezar el comentario del filme de Matt Reeves hablando de sus prodigios técnicos porque sin duda son lo mejor de la película. Un despliegue visual y sonoro auténticamente espectacular, conseguido en gran medida por la mezcla de localizaciones exteriores y rodaje en 3D. La yuxtaposición de la belleza de la Madre Naturaleza y la alta tecnología de Hollywood resulta llamativa. Jason Clarke (Malcolm, uno de los cabecillas de los humanos,  en la película) cuenta cómo es adentrarse en un decorado situado en medio del exuberante bosque pluvial de Columbia Británica: “Es sencillamente asombroso: bosques primitivos, cámaras de 3D, cámaras de captura de movimientos, cables por todas partes, máquinas fumígenas, máquinas de niebla, lluvia y barro, un equipo técnico de cientos de miembros y, luego, 50 actores interpretando simios que recorren el bosque. Yo siempre prefiero rodar en exteriores antes que en un estudio de sonido, porque aporta mucho realismo al proyecto. Esto vale para los actores que encarnan a los personaje humanos y también para los ‘actores de simios’. Éstos no se limitan a estar sentados en grupo. Tienen que interactuar con personas, con el bosque, con el barro y con todo lo demás; con las rocas, las piedras y la lluvia”.

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El prodigio de Weta Digital se debe a que, para la interpretación digital, se disponía de 35 personas en cada unidad, un despliegue de unas 50 cámaras de captura de movimientos y ocho cámaras testigo que estaban rodando constantemente cualquier cosa en la que participara un personaje simio. De este modo se conseguía que todo el equipo, los actores protagonistas y los actores “simio”, estuviesen juntos a la vez en el mismo lugar, de ahí que la acción resultará realista y se pudiera captar lo más difícil, las emociones que se trasladan a la pantalla tal cual si hubieran existido simios evolucionados  hasta el dominio del fuego y el lenguaje. Todo el trabajo técnico estuvo puesto al servicio del relato y sobre todo al servicio de lo que más le interesaba plasmar a Matt Reeves: cómo sería en su origen un mundo de simios que progresivamente van adquiriendo habilidades culturales.

La descripción del mundo simio es el pasaje más brillante del filme y es dónde Reeves consigue aportar más al canon de El planeta de los simios. Su comienzo es colosal, una escena de caza en grupo de proporciones monumentales, en la que nos invade desde la pantalla una colonia de simios dispuestos a saltar sobre una manada de rumiantes (ese 3D que la prensa barcelonesa no pudo ver) bajo la lluvia que  cae sobre un bosque de árboles afilados desde los que vemos descender a centenares de simios. Excelente resulta la planificación majestuosa de Reeves que concede a la escena su carácter épico. Tras ella y durante casi media hora asistimos a una secuencia protagonizada exclusivamente por simios, sin ningún personaje humano. El neoyorquino ensaya la hipótesis sobre cómo podría ser el origen de una civilización, por eso no cae en el simple paisaje postapocalíptico sino que recrea un mundo sobre el que la naturaleza ha vuelto a tener dominio y en el que va a emerger una nueva especie dominante. Nos sitúa en un entorno que nos puede recordar el despertar de la especie humana en 2001, una odisea del espacio, salvo que aplicado aquí a los simios, y cuida minuciosamente los detalles en los que se ve el despertar de una nueva civilización haciendo especial hincapié en la adquisición del lenguaje articulado. Esta es la principal aportación personal con la que contribuye a la saga (propuesta suya que cambió todo el proyecto original que iba a ser dirigido por Rupert Wyatt ) y ya sólo por ella su obra merece los halagos con los que la ha acogido la crítica americana que vienen a reconocerla como un nuevo modelo de blockbuster no reñido con la inteligencia y la profundidad.

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No les falta razón a los especialistas, sin embargo, hay que puntualizar que la saga original era, en su conjunto, más inteligente que la actual con una trabazón de la trama más redonda y una propuesta distópica más seria. El amanecer del planeta de los simios ofrece un interesante planteamiento sobre el origen de la civilización, pero, más allá de ello, el trasfondo al que apunta no es original ni está minuciosamente   perfilado. Argumentalmente, El amanecer del planeta de los simios nos habla de una creciente nación de simios genéticamente evolucionados, encabezados por César, que se ve amenazada por una banda de humanos que sobrevivieron al devastador virus desencadenado diez años antes. Virus que ha conducido a la práctica extinción de la especie humana y ha acabado con nuestra civilización. Los simios han prosperado y los humanos están en decadencia. Una escena postapocalíptica, pero la película trata de hablar de supervivencia más que de apocalipsis. Supervivencia a la que aspiran simios y humanos, el interrogante es si pueden sobrevivir ambas especies en un clima de paz que elimine el recelo de unos ante los otros. En ese debate entran  en consideración las formas antagónicas de entender el liderazgo (César pacificador, frente a Koba el belicista, en la comunidad simia; y la misma dialéctica entre los humanos donde las dos opciones son representadas por Alexander y Dreyfus (Gary Oldman) respectivamente y el marco referencial último: la confianza.

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El valor de la confianza es, pues, la reflexión última a la que apunta el filme, pero para exponerla cae en lo superficial y el abuso de momentos emotivos muy convencionales: pequeñas nubes oscuras que empañan lo que podría haber sido brillante. Con todo, sus defectos no arruinan su aciertos y consideramos que El amanecer del planeta de los simios es una propuesta interesante merecedora de estar entre los principales éxitos que nos va a deparar la temporada estival. Un filme a tener en cuenta.

Open Windows, un thriller online

Al principio fue la Batbola, toda una lección de cine. Terminaba un siglo y un joven Nacho Vigalondo cortometrajista hacía metacine haciendo cine. Si no entienden mis palabras, es tan sencillo como pinchar el vídeo:

En esta obra primeriza el director de Los cronocrímenes demuestra que, a la hora de contar historias, importa tanto o más el cómo que el qué. Y nos habla de uno de los principios básicos del relato cinematográfico: la generación de expectativas en el público. El mecanismo de la intriga es el que mejor pulsa en su último trabajo, Open windows, un trhiller que bebe en los clásicos (debe mucho a La ventana indiscreta) para llevarlos a todo un nuevo mundo: nuestras vidas marcadas por Internet. Así lo declaraba su protagonista, Elijah WoodEs un thriller muy emocionante, muy intenso, que bebe de raíces clásicas pero utiliza un lenguaje experimental, trabajando a través de diversas pantallas. Se caracteriza por su gran ambición por contar la historia de una forma nada convencional (…) Creo que su punto fuerte es esa forma de contar la historia de una forma no convencional sin que parezca un truco fácil, porque tiene un enorme trabajo detrás”.

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Las formas importan, pues, porque de ellas se desprende (si no siempre, muchas veces, al menos) la intención del autor. Vigalondo ha querido convertir la gran pantalla cinematográfica en la reducida pantalla de un ordenador, una forma de expresar como en la era de la información casi toda imagen nos viene mediada por su exposición a través del filtro de las pantallas. Y muy especialmente por las cibernéticas, porque, como dice el propio director, Internet es el telón de fondo de nuestras vidas.  Si el cine quiere seguir siendo reflejo del mundo, tendrá que acercarse a las nuevas tecnologías de la información y la imagen, o se perderá una buena parte de la realidad que nos rodea. Así confiesa su pretensión Vigalondo:  “yo quería contar una historia que tuviera una relación muy estrecha con el formato en sí. Y contar una historia que tuviese mucha relación con Internet. Y si en nuestra relación con Internet, lo primero que se cuestiona es nuestra identidad ¿Quiénes somos? ¿Qué actitud tenemos respecto a los demás?… es por eso que casi todos los personajes tienen una identidad que se cuestiona a medida que avanza la película”.

Las formas, así, marcan un fondo que va más allá de lo meramente argumental. Bajo el ropaje del thriller (que por momentos roza la comedia de enredos, todo hay que decirlo), el cántabro somete a nuestro juicio los nuevos interrogantes que la tecnología ha volcado sobre nuestra existencia. Todos estamos exhibidos en el expositor de la red, a merced unos de otros. Vigalondo lo refleja a través del máximo exponente de la violación de intimidades, el hacker, figura extrema que le sirve para formular hipótesis sobre nuestro mundo más cotidiano.

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Citábamos antes La ventana indiscreta, allí Hitchcock nos llevaba  a reflexionar sobre nuestra condición de voyeurs cuando asistimos al cine, hoy, los medios informáticos han elevado a la enésima potencia nuestra posibilidad de regodearnos viendo sin ser vistos. Open Windows muestra como la web 2.0 ha multiplicado las posibilidades de construirnos una atalaya desde la cual observar el desfile de la realidad desde la intimidad de nuestros hogares. Y no sólo de mirar, sino de hacerlo de modo inquisitivo hacia los demás. No somos meros oteadores, somos también jueces implacables (amparados, además, por el anonimato). Internet ha trastocado los límites entre lo privado y lo público, contemplamos todo lo que nos llega expuesto a través de la pantalla de nuestros ordenadores como objeto de juicio, y disfrutamos de saber que nuestros actos tendrán repercusión sobre los personajes públicos de los que seamos seguidores. De lo que muchas veces no somos tan conscientes es de que todo en la web 2.0 circula en doble dirección, es decir, que a la vez que observadores somos objetos de observación. Y si nuestros actos pueden manipular a otros, también los otros  pueden manipularnos a nosotros.

¡Ah! y por cierto, sí, a Sasha Grey se le ven los pechos.

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El retorno de Vampyres: entrevistamos al director y los protagonistas

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Saber que una película tan mítica y ‘nuestra’ (a pesar de ser británica) como Las hijas de Drácula, o mejor dicho, Vampyres,  iba a tener una nueva versión actualizada, provocó que muchos nos hiciéramos cruces. No por alejar a las chupasangres protagonistas, esas no nos provocan miedo precisamente, sino por la ‘profanación’ que supone revisar un film de culto tan perfecto y querido como es el de José Ramón Larraz. Y más después de haber visto despropósitos como el que se perpetró con ¿Quién puede matar a un niño? del apreciado Narciso Ibáñez Serrador… Pero del espanto pasamos a la tranquilidad cuando supimos quien estaba detrás del proyecto, que no era otro que Víctor Matellano, gran estudioso del cine de género en España, tal y como ha demostrado en dos libros imprescindibles[1] y  en su pequeña pero interesante filmografía[2] que homenajea continuamente a aquellos actores, ya mitos, del cine fantástico y de terror español. Estamos seguros de que Vampyres mostrará respeto por el film de Larraz y aportará una nueva visión que refrescará el panorama terrorífico español.

Así que mientras esperamos verla con impaciencia, abrimos boca entrevistado al director y parte del reparto del film. Todos ellos nos contarán los detalles del rodaje y nos adentrarán en el  fascinante mundo de  Vampyres.  

Pero comencemos por el principio…

… Y EN EL PRINCIPIO FUE LARRAZ

VampyresProveniente del mundo del cómic y la fotonovela, no fue difícil para el barcelonés José Ramón Larraz pasar a idear planos con la cámara y contar historias en imágenes, ahora en movimiento.  A caballo entre España e Inglaterra, donde se instala durante una larga temporada, no deja escapar la oportunidad de investigar ese nuevo campo estrenándose en 1970 con Whirpool, película que fue seguida por producciones españolas y otras rodadas y producidas en Inglaterra, como su  obra más recordada: Vampyres (1974), un  film influenciado por las más eróticas y sangrientas producciones Hammer, lo que le supuso, a pesar de haber aligerado convenientemente parte de su metraje, la clasificación ‘X’ en las salas británicas. En España se estrenó íntegra, aunque hubo que esperar seis años para verla y con una ‘S’ bien visible en su cartel, no fuera que  “por su temática o contenido pudiera herir la sensibilidad del espectador”.  En Las hijas de Drácula, que es el horripilante título que recibió Vampyres en España,  Fran (Marianne Morris) y Miriam (Anulka), son dos vampiras enamoradas que buscan a sus víctimas haciendo auto-stop, seduciéndolas y llevándolas a su mansión, donde se alimentan de su sangre. Creándose entre Fran y una de sus presas, Ted (Murray Brown), una extraña dependencia.

No exageró el director cuando señaló que en su película “el vampirismo es algo bestial, casi parece canibalismo[3] por las pasiones desatadas de sexo y sangre. Cuenta Larraz que “el guión lo escribí en una semana, ni un día más[4], transcurriendo “tres semanas de rodaje con unas chicas de Playboy que no  habían visto una cámara ni desde lejos[5] , cumpliendo de sobra los objetivos que los productores le demandaron: “A lot of blood and a lot of sex”[6]. El resultado es un éxito que sobrevive hasta nuestros días como un film de culto y el más conocido del director, que posteriormente continuó rodando más historias, muchas de ellas puramente alimenticias y ya en su país de origen, compaginando terror, (un dudoso) humor y erotismo. Pero tan satisfactoria fue la experiencia de Vampyres que el mismo productor, Brian Smedley-Aston, animó a Larraz muchos años después a rodar una segunda parte, para la que Larraz escribió el guión, quedando la cosa en suspenso… hasta ahora.

Larraz, poco antes de su fallecimiento, junto a Víctor Matellano (Foto: Abadía de Berzano)

Larraz, poco antes de su fallecimiento, junto a Víctor Matellano (Foto: Abadía de Berzano)

VAMPYRES DE VÍCTOR MATELLANO

Muchos nos hemos ilusionado ante la perspectiva de ver una nueva versión o continuación de aquella película que rodara Larraz hace ya la friolera de 40 años. Un film que se mantiene fresco y enigmático. Sexy y violento. Todo un reto cuyo origen y proceso nos narra el propio director en esta entrevista que le hemos realizado:  

- Háblanos de tu relación con José Ramón Larraz y de cómo nace el proyecto Vampyres

Larraz y yo nos conocíamos desde hace unos dieciséis años, nos presentó Jack Taylor en su casa. Nos hemos frecuentado durante estos años de forma más o menos continuada, siempre con amistad. Sobre todo en los dos últimos años, y siempre hablábamos de hacer algo juntos. José Ramón era una persona muy interesante, un gran conversador, y francamente tenía un talento impresionante. Lo admiro, lo quiero y lo recuerdo con mucha frecuencia. Al plantearnos volver a la historia de ‘Las hijas de Drácula’ lo primero que hacemos es reflexionar conjuntamente sobre el papel sobre qué cuestiones se debían mantener de la anterior versión y cuáles no. A partir de ahí trabajamos una nueva sinopsis y una primera vuelta sobre el nuevo guión. Después, ya con las aportaciones de Ángel Mora, nuestro productor ejecutivo, termino de escribir las últimas versiones, siempre en base a lo trabajado con Larraz. Respecto a la primera película, cambia el tercer acto, algunos personajes se desdoblan, desaparece alguno y aparecen otros nuevos. Lo que más nos preocupaba a José Ramón y a mí era dotar al personaje protagonista de motivaciones claras, así como evitar que en el último tercio decayese el ritmo.

- ¿Conseguiste a los actores que buscabas? ¿No fue posible la intervención de las actrices originales como guiño al film del 74?

Mano a mano con la directora de casting, Ana López, que es una gran profesional, fuimos elaborando el reparto. Para ello se hicieron pruebas con cámara a diferentes actores y actrices, las escenas más comprometidas del guión. Creo que el reparto ha quedado muy ajustado a los personajes, de gran calidad. Respecto a las intérpretes de la primera película, que estaban fantásticas en aquella, obviamente no estaban en edad. Hubiese sido un guiño, cierto, pero te aseguro que toda la película es un guiño en sí mismo, y también al resto de películas de Larraz como ‘Whirpool’ o ‘Symtoms’.

El director junto a Marta Flinch (a su derecha) y Almudena)

El director junto a Marta Flich (a su derecha) y Almudena León durante una presentación de Vampyres en el festival Nocturna, donde se proyectaron unas secuencias del film.

- ¿Qué tal las nuevas vampiras? ¿Nos cuentas algo de ellas?

Marta Flich y Almudena León son nuestras vampiras. Hubo que hacer mucho casting para esos personajes, aunque en el caso de Almudena lo tenía claro, ya que hemos colaborado bastante juntos y conozco sus posibilidades, cómo trabaja. Lo más difícil que han conseguido, con gran técnica, es su compenetración. Era complicado, muchas escenas de sangre y desnudos, no caer en la parodia… Lo bueno que tienen tanto Marta como Almudena es que poseen un método muy técnico, muy ágil, no fallan ni una toma, lo necesario para un rodaje rápido como este. Marta Flich simplemente llena la pantalla, tiene una presencia espectacular, además de ser una de las actrices más divertidas que he conocido en un rodaje. Muy generosas las dos.

- ¿Es tan alto el grado de erotismo al del film de Larraz?

Yo creo que ‘Las hijas de Drácula’ fue realmente innovador respecto al erotismo. No tanto por los desnudos, o las escenas de cama como por el tratamiento de la perversión. Eso lo hemos mantenido, era vital. Y lo que hemos potenciado es el misterio, la acción, y los toques gore.

- ¿Qué tal ha ido con Caroline Munro? ¿Fue muy difícil conseguir su colaboración?

Caroline es un ser maravilloso. Estaba presente en mi documental ‘Zarpazos!’. Es sencillo que acepte si le gusta el personaje, y este le gustó, especialmente escrito para ella. Un personaje que posee las claves de la historia. Es un lujazo trabajar con ella.

Caroline Munro durante el rodaje de Vampyres. A su vera puede verse a Víctor Matellano y Colin Arthur.

Caroline Munro durante el rodaje de Vampyres. A su vera puede verse a Víctor Matellano y Colin Arthur.

- También has contado con actores de la talla de Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans y Conrado San Martín. ¿Qué tal fue con estos veteranos?

Son todos amigos, lo ponen muy fácil y se las saben todas. De ellos, la que tiene el papel más largo es Lone, también escrito expresamente para ella. Antonio personifica un claro homenaje a ‘Vampyr’ de Dreyer, una de las películas preferidas de José Ramón. Y May y Conrado interpretan al matrimonio senior que al final quiere comprar la casa. Respecto a otras colaboraciones más jóvenes, tenemos a Fele Martínez y Luis Hacha, muy grandes también.

Una de las oníricas localizaciones de Vampyres.

Una de las oníricas localizaciones de Vampyres.

- ¿Buscaste conseguir la atmósfera que consiguió Larraz en su film? ¿Seleccionaste localizaciones similares a las de él?

Lo más importante del cine de Larraz es la atmósfera y por supuesto que era prioritario. Las localizaciones siguen esa estela de misterio y belleza.

- ¿En cuanto tiempo se ha rodado? ¿Has podido contar con los medios necesarios?

Se ha rodado en cuatro semanas, un tiempo muy ajustado. Si me preguntas por los medios, todos los directores decimos que tenemos poco tiempo y que nos hubiese gustado tener más medios. Pero creo honestamente que la película ha tenido lo esencial.

- ¿Ha habido alguna escena especialmente complicada de rodar?

Las escenas más complicadas, las de sangre. Y las menos, las de sexo. Sinceramente, nunca había rodado sexo anteriormente y no me ha sido al final complicado, los actores han aportado mucho y lo han puesto fácil.

Un detalle de la mesa de operaciones de Colin Arthur.

Un detalle de la mesa de operaciones de Colin Arthur.

- ¿Ha tenido muy complicado Colin Arthur el trabajo en fx?

Es la tercera película que hago con Colin, aparte del documental. En ‘Wax’ tuvo trabajo, pero aquí ha tenido mucho trabajo. Intento ponérselo fácil, pero a veces no lo es, pero como es un grande, soluciona cosas realmente difíciles. Para nosotros era muy importante tenerlo, porque estuvo en la película original. También por su carácter personal, su técnica y lo que representa. Y aporta todo. 

- ¿Alguna anécdota del rodaje que quieras compartir?

Hay muchas, como las inclemencias meteorológicas, ya que hemos pasado frío, calor, hemos tenido lluvia etc. Otras, como el reencuentro profesional de Colin y Caroline, cuarenta años después de hacer juntos ‘El viaje fantástico de Simbad’ de Harryhausen.  O el reencuentro de Caroline con la figurinista de ‘Superman’, Yvonne Blake, en el rodaje. También llevaban cuarenta años sin verse desde que rodaron una película con Richard Widmark…[7]

- ¿Tendremos ocasión de ver alguno de tus films en el Festival de Sitges?

‘Wax’ se pasa ahora en el festival Nocturna de Madrid y en el Festival de Alicante. ‘Zarpazos!, tras su paso por festivales, se comercializa el mes que viene. Sin duda Sitges es el festival de festivales, el sueño de cualquier aficionado al fantástico, como nosotros lo somos. Nos gustaría que estuvieran las películas, claro, y por supuesto ‘Vampyres’. 

‘Vampyres’ es la primera producción de Artistic Films y espero que haya más. Ha sido una apuesta muy arriesgada y valiente, que creo hemos hecho con mucho amor y dedicación. Y que espero que eso se traduzca en la pantalla en una gran película.

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HABLAN LOS PROTAGONISTAS: MARTA FLICH, ALMUDENA LEÓN Y CHRISTIAN STAMM

Marta Flich y Almudena León son dos jóvenes y competentes actrices que han afrontado el difícil papel de interpretar los roles que inmortalizaron Anulka y Marianne Morris en el film de Larraz. Marta, con colaboraciones en televisión y en algún largometraje como Omnívoros (2013, Óscar Rojo), recientemente se ha interesado por otras facetas del cine, como demuestra su primer cortometraje, 2×0 (2013), que ha escrito, interpretado, coproducido y dirigido y en el que además ha colaborado en la banda sonora.  Para Almudena León este es el primer papel importante en el cine tras colaborar con Víctor Matellano en su película Wax (2014) y participar en cortos como Waiting (2013, Rhoda N. Wainwrigh). Por su parte Christian Stamm es un actor de origen alemán que desde temprana edad ha estado dando botes por Italia, Francia, Estados Unidos,  Madrid y finalmente Barcelona, donde se ha instalado y ha decidido apostar por la interpretación, profesión que ha hecho suya y que le ha llevado a realizar un buen número de papeles para cine y televisión.

Los tres respondieron amablemente nuestras preguntas:

Marta Flich

Marta Flich

- ¿Cómo entrais en el proyecto Vampyres?

Almudena León: Tras un proceso de casting, como siempre. Me convocaron a casting porque ya habían visto mis anteriores trabajos en ‘La venta del Paraíso’, ‘Wax’ y en teatro con la obra ‘Mujeros’.

Marta Flich: La directora de cásting me llama para decirme que tengo el perfil de una de sus protagonistas. Así que hago el cásting y… ¡Tachán! me dan la noticia de que voy a encarnar a una de las vampiras de Vampyres.

Chistian Stamm: Alguien me llamó porque había visto mi material por ahí y me invitó al casting.

- ¿Cuál es vuestro papel en la película?

M. F.: Fran, una vampira inquietante y cruel que tiene una relación con su otro yo que es otra vampira y que se dedica a seducir, para beber sangre, matar y posteriormente comerse a la víctima. Hasta que llega Ted, un pastor protestante del que se enamora. Ahí empiezan sus problemas.

A. L.: Soy una de las dos Vampiras, Miriam. Es un personaje que oculta muchas cosas, a pesar de que muestra bastante (Risas). Su mirada dice mucho.

C. S.: Soy Ted, el protagonista principal, detrás de Caroline Munro.

- ¿Hubo alguna escena especialmente complicada de rodar?

A. L.: Las escenas en la bodega, en Talamanca, y la de la bañera creo que son las más bonitas, pero las más complejas. Por el frío que hacía y por los efectos especiales. Al haber sangre, cortes, etcétera, requerían mucha concentración por nuestra parte y mucho respeto por parte del equipo para que todo saliese bien a la primera. Tuvimos que medir perfectamente por donde hacer el corte, ya que era yo la encargada de cortar el cuello a una de las actrices, pero el gran Colin Arthur se ocupó de enseñarme bien cómo hacerlo.

M. F.: Por las condiciones climatológicas, hacía mucho frío, se hizo complicado rodar con tan poca ropa e incluso llegué a meterme en una bañera con agua fría a muy pocos grados. ¡Terrible! Pero son una de esas cosas que quedan como anécdota y que acabas contando con una gran sonrisa.

C. S.: Las de cama.

Almudena León

Almudena León

- Hablando de escenas de cama ¿tuvisteis algún problema respecto a rodar escenas eróticas?

M. F.: No. Es más incómodo rodar una escena erótica con corsé que en top less.

A. L.: La verdad es que no. Confío mucho en Daniel Salas, el director de foto, y en Víctor Matellano, ya que ellos querían cuidar mucho la estética de la película, por tanto, sabiendo que no eran desnudos frontales ni ordinarios, la tranquilidad era mayor. Además no soy una actriz pudorosa, creo que el cuerpo de la mujer es muy bonito y a estos personajes les da un realismo brutal. Para mí era necesario verlas desnudas, como animales, con un instinto primario de devorar y beber sangre sin importar nada más que eso. Aunque tengo que reconocer que el rodar desnuda, además del frío que pasamos, hacía que, como actriz te sintieses muy expuesta y muy vulnerable. Pero siempre en set se pedía ‘equipo mínimo y respeto máximo’. Eva Ferradas, ayudante de dirección, era la encargada de ello.

C. S.: Pues al final no surgió ningún ‘problema’ en estas escenas (aparte de algún que otro morado que me hizo una de las vampiras…), pero porque el rodaje estaba muy bien preparado y muy bien cuidado todo. El ‘dire’ nos instruyó muy bien, los actores nos mentalizamos bien, y el equipo de producción fue más que serio y profesional en todo lo que hacían.

Christian Stamm pasando... ¿frío o miedo?

Christian Stamm pasando… ¿frío o miedo?

- ¿Qué tal fue en general el rodaje?

M. F.: Genial. Mucha complicidad con el equipo. Grandes profesionales. No puedo estar más contenta con todos ellos. Una familia.

A. L.: Ha sido un rodaje maravilloso, con un equipo fantástico. Es cierto que era muy cansado porque han sido muchas horas, hemos pasado frío, hemos tenido complicaciones lógicas de rodaje. Pero hemos hecho muy buena amistad con todo el equipo, y yo en especial con mi otra vampira, Marta Flich.

C. S.: Súper agradable. Con un director y un equipo de producción como la copa de un pino, y unos compañeros actores estupendos todos.

- ¿Cómo ha ido con los actores veteranos?

M. F.: Yo coincidí con Antonio Mayans. Es un ser encantador, profesional y absolutamente carismático. Tuve un trato exquisito.

A. L.: Es un lujo poder trabajar al lado de figuras del cine de terror como Caroline Munro. Tuve la oportunidad de conocerla, y me parece preciosa. A Lone Fleming  también la conocía por otros trabajos en los que hemos coincidido y es un amor de persona, muy cercana y muy cariñosa. La adoro y la admiro. Con Antonio Mayans coincidí un día de rodaje, y es un encanto también. Para mí ha sido un placer compartir película con ellos.

C. S.: ¡Todo un privilegio y un inmenso placer! ¡Con todos! Además, era fantástico escucharles y aprender de ellos y de su experiencia vivida.

Una magnética Almudena.

Una magnética Almudena.

- ¿Habíais visto el film original?

M. F.: No, porque no me quise autosugestionar. No quise tomar referencias. Sólo quería oír las directrices de Víctor Matellano.

A. L.: Si, me consiguió la película una amiga y la vimos en su casa. Inmediatamente pensé que encajaba perfectamente en Miriam, porque era la idea que yo tenía del personaje y de lo que quería trabajar como actriz. Además me permitió darle una vuelta de tuerca a esta vampira que a día de hoy era muy diferente a la que creó Larraz en el 74.

C. S.: No lo había visto y preferí no verlo antes del rodaje, para no quedar ‘condicionado’

- ¿Os atrae el cine de terror? ¿Os gusta rodar este tipo de películas?

M. F.: ¡Me encanta! Tiene unas dificultades que no contempla el cine comercial en general y es que al trabajar con efectos especiales las tomas han de salir a la primera. Es muy adrenalínico. Es complejo y exigente. Además, el público de este tipo de pelis sabe muy bien lo que quiere y conoce perfectamente el género. Me encanta rodar este tipo de pelis, aunque reconozco que las sesiones son agotadoras.

A. L.: El género de terror no era de mis preferidos hasta que rodé esta película. Ahora  adoro el género, y especialmente rodar este tipo de personajes que tienen un trastorno o patología que les hace mostrar los instintos más básicos y criminales. Los efectos especiales y el terror psicológico me han enamorado.

C. S.: Me atrae todo tipo de buen cine, incluido el de terror. Soy un gran fan del tipo de terror de Haneke (Funny Games). Y por supuesto me chifla rodar este tipo de película.

Marta seductora.

Marta seductora.

- ¿Alguna anécdota que querais compartir sobre el rodaje de Vampyres?

M. F.: Tuve que rodar una escena bastante atípica: Tuve que saltar con arnés desde unos 4 metros para hacer un salto en el que Fran volaba hasta colocarse en el suelo. El trabajo con los especialistas y los ensayos han sido un subidón muy adictivo. Ahí me di cuenta que debía confiar sin reservas en el trabajo de tres personas que acababa de conocer. ¡Uf! Muy grande ese momento. Me lo llevo conmigo.

A. L.: De un rodaje tan intenso te podría contar miles… Pero para mí hay un par de momentos que destaco del rodaje. Una de ellas fue cuando me subieron colgada de un arnés para hacerme caer a varios metros en caída libre. Y el momento de la bañera, cuando las dos vampiras empezamos a notar como nos caía la sangre por todo el cuerpo, en el set no se oía ni una respiración, solo estábamos las vampiras disfrutando de nuestro baño, con ese contraste de temperaturas entre el agua caliente de la bañera y la sangre que nos caía…. Hasta que escuchamos un CORTEEEEEN!!!! con una energía maravillosa que venía de Víctor, y ahí Marta y yo nos dimos cuenta que no solo era toma válida sino que les había flipado.

Pronto sabremos a quien apunta Christian

Pronto sabremos a quien apunta Christian

C. S.: Pues lo primero que me viene a la cabeza es algo que casi no llego a contar: casi la palmamos algunos con el coche de Ted (el Plymouth Fury III), que conducía yo: teníamos que bajar una cuesta con una pendiente muy pronunciada y acercarnos a un punto donde estaba todo el equipo de producción esperándonos. Mientras bajábamos, se caló el motor de ese coche tan viejo, y con ello dejaron de funcionar los frenos, que funcionaban con un sistema hidráulico. Así que nosotros bajando la cuesta a toda ostia, cada vez más rápido y acercándonos peligrosamente a los otros… ¡sin frenos! En el último momento y con el freno de mano (que en ese coche es más bien un ‘freno de pié’, un poco escondido), pude controlar el coche.

 WITH A LITTLE HELP FROM THE FRIENDS: LONE FLEMING Y ANTONIO MAYANS

Como ya hemos comentado, Víctor Matellano ha contado con la colaboración de lujo de veteranos actores y amigos de la talla de Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans y Conrado San Martín. Veteranos y venerados actores que enriquecen con su presencia el reparto del film. Hemos hablado brevemente con dos de ellos para que también nos comenten las impresiones vividas durante el rodaje de Vampyres.

Caroline Munro y Lone Fleming (Foto: Adán Latonda)

Caroline Munro y Lone Fleming (Foto: Adán Latonda)

Lone Fleming no requiere de presentación. La actriz, muy querida por todos los aficionados al género terrorífico,  es recordada como la exótica belleza de ojos imposibles que se pasea por películas tan admiradas como La noche del terror ciego (1972) y El ataque de los muertos sin ojos (1973) de Amando de Ossorio  o Una vela para el diablo (1973) de su marido Eugenio Martín. Todavía muy en activo, ha colaborado con Víctor Matellano en Wax (2014), el corto The Ravine of the British (2014) y también en la recién estrenada La mujer que hablaba con los muertos, de César del Álamo. Lone interpreta en el film de Matellano  a la “encargada del pequeño hotel rural en medio de un bosque, del que Caroline Munro es la dueña y con la que tengo cierta complicidad. En el hotel se aloja la gente que viene a pasar un fin de semana tranquilo… ¡y de eso nada! Ocurren cosas terroríficas…” Aunque rodó un único día, la actriz cuenta que hubo “Un ambiente de mucho cariño por parte de todos”, opinando que  “Victor Matellano es un director que se preocupa de dirigir muy bien a los actores y que no para hasta que obtiene lo que quiere”.

No menos conocido para los seguidores del mejor cine de género es Antonio Mayans, compinche en mil y un rodajes del recientemente fallecido Jesús Franco e intérpreta en un buen número de películas. En Vampyres interpreta a “el hombre de la guadaña, un homenaje a la película Vampyr”, y aunque su participación fue pequeña, tuvo tiempo de detectar el buen ambiente del rodaje, “todo funcionaba como un reloj y con muchísimo nivel, mucha ilusión y raudales de energía positiva. Cuando solo vas a rodar un día no tienes oportunidad de ‘penetrar’ en los equipos, sin embargo en este se me recibió desde el primer momento con mucho cariño, me aceptaron enseguida. Me trataron como VIP y tenía hueco, ¡¡sentado¡¡ para ver en el monitor lo que se estaba rodando”. Para Antonio Mayans, el film de Matellano “tiene una estética muy superior” al de Larraz. Cuando piensa en la forma de rodar del director “La primera palabra que me viene a la mente (y que seguramente le molestará) es ‘dulcecito’, pero lleva muy controlado el tema y sabe perfectamente lo que quiere, solo que lo consigue con cariño. En todo lo que he visto de Víctor una de sus grandes virtudes es la de sorprender con imágenes sublimes”.

Víctor Matellano junto a Antonio Mayans, todo un homenaje a una de las imágenes icónográficas de Vampyr (Carl T. Dreyer, 1932)

Víctor Matellano junto a Antonio Mayans, todo un homenaje a una de las imágenes icónográficas de Vampyr (Carl T. Dreyer, 1932)

[1]  Spanish Horror (2011) y Spanish Exploitation (2011), ambos editados por T&B Editores.

[2] En su filmografía figura el documental Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror (2014), el largometraje Wax (2014) que incluye en su reparto a Jack Taylor, Antonio Mayans y Lone Fleming, además de homenajear a Paul Naschy y el cortometraje The Ravine of the British (2014) que cuenta también con Lone Fleming y Jack Taylor. También dirigió en la obra de teatro La danza de la muerte (2005) a Paul Naschy y Saturnino García.

[3] BIRRELL, S. Entrevista a J. R. Larraz en Quatermass nº 6. Bilbao, verano 2004. Pág. 46

[4] LARRAZ, J. R. Memorias. Del tebeo al cine, con mujeres de película. Editores de tebeos, Barcelona 2012. Pág. 121

[5] MATELLANO, V. Spanish Exploitation. T&B Editores, Madrid 2011. Pág. 114

[6] BIRRELL, S. Opus Cit. Pág. 47

[7] Talento por amor (A Talent for Loving, 1969 Richard Quine)

ÁLBUM FOTOGRÁFICO

Parece que Verónica Polo...

Parece que Verónica Polo…

... no lo pasa del todo bien en Vampyres.

… no lo pasa del todo bien en Vampyres.

Caroline Munro.

Caroline Munro.

No te asustes pero...

No te asustes pero…

Muchacho... ¿estas seguro de lo que vas a hacer?

Muchacho… ¿estas seguro de lo que vas a hacer?

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Rodando Vampyres.

Rodando Vampyres.

La gran Caroline Munro llenando la pantalla

La gran Caroline Munro llenando la pantalla

Parte del equipo artístico durante la presentación de algunas escenas de Vampyres en el Festival Nocturna de Madrid.

Parte del equipo artístico durante la presentación de algunas escenas de Vampyres en el Festival Nocturna de Madrid: Ángel Mora, Antonio Mayans, Marta Flich, Verónica Polo, Almudena León, Lone Fleming, Luis Hacha y Víctor Matellano.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Categorías:Cine Club, Fantaterror, Pin Up

Solo los amantes sobreviven, la trágica inmortalidad

only lovers 2Uno de los temas que con más asiduidad se asoma a las páginas de la obra de Jorge Luis Borges, junto al lenguaje, al tiempo o a los límites de la razón, es la posibilidad de la existencia eterna. Según el argentino, para acceder a la inmortalidad el individuo ha de transformarse en una suerte de ser superior mediante la recolección de vivencias ajenas, es decir, un hombre sería inmortal al aglutinar en sí mismo todas las experiencias de todas las vidas de todos los seres humanos. Así lo leemos en su relato El inmortal, en él su protagonista, Marco Flaminio Rufo, descubre que la inmortalidad es una especie de condena. La muerte da sentido a cada acto ante la posibilidad de ser el último; la inmortalidad se lo quita.Esa tragedia de la inmortalidad es la que alumbra las eternas vidas de los vampiros salidos del magín de Jim Jarmusch.

La incursión de Jim Jarmusch en el género vampírico da pie a un filme crepuscular totalmente nocturno. Nos cuenta la historia de Adam y Eve (nombres fundacionales donde los haya) dos vampiros amantes que deciden reencontrarse (él está en Detroit, ella en Tánger) para afrontar la enorme depresión que le produce a Adam la decadencia de nuestro tiempo. Only lovers left alive es una película hipnótica que nos regala algo más de dos horas de disertaciones existenciales sobre nuestra condición en el mundo.

Adam (Tom Hiddleston) y Eve (elegantísima Tilda Swinton) , igual que los inmortales de Borges habían sido todos y cada uno de los hombres, llevan deambulando durante siglos, han conocido todas las épocas y han aquilatado toda la cultura de aquellas que fueron más doradas que la presente. Son pedantes, en el buen sentido del término, porque han atesorado  el acervo cultural de siglos, ahora viven aislados de un mundo que ya no entiende la delicadeza, contaminado por enfermedades más morales que corporales, y en la que los hombres actúan masificados como auténticos zombies. La humanidad está podrida y a la pareja protagonista no le queda otra que refugiarse en su propio mundo cerrado y marginal, donde se entregan a la música, la literatura, la ciencia y el arte en general.

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Adam y Eve son vampiros refinados, degustan la sangre no contaminada (cada vez más difícil de encontrar) en vasos de cristal de Murano, rojo elemento que consiguen en bancos de sangre porque la que corre por la venas es cada vez más insalubre y porque ellos ya no son alimañas, las alimañas son los humanos. Frente a ellos contrasta la figura de Ava (Mia Wasikowska), hermana de Eve, quien (como ocurría en Kiss of de damned) todavía se alimenta asaltando humanos y pone en peligro a los protagonistas. Este personaje al que podríamos, clasificar de inadaptado dentro de los inadaptados, sirve al relato como motor de la acción, pues por su causa la pareja tendrá que darse a la fuga. Una fuga que les llevará al límite donde acabaremos descubriendo que sólo el amor nos permite dignificarnos y vivir.

Para Carlos Boyero la película “Logra superar el grado de tontuna existencial, misterios sin sentido y nadería pretenciosa de ‘Los límites del control’ (…) Es otro irritante disparate de Jarmusch” . Nada que ver con nuestro juicio. Como decíamos, los vampiros de Jarmusch son pedantes, como lo fueron los hombres del Renacimiento, rasgo que podría haberlos vuelto pretenciosos, sin embargo, Jarmusch no olvida darles una cierta pátina de humor, no se toma plenamente en serio a sus personajes y eso los aparta de la pomposidad. Pese a ofrecernos un retrato  crepuscular que invita a reflexionar sobre nuestra condición humana, no hay grandilocuencia en la película. Sus ingredientes están perfectamente calculados y combinados, de manera que a la pesadumbre existencial se le sobrepone el esperanzador mensaje de que, incluso habiendo perdido la motivación, siempre vale la pena seguir adelante.

Categorías:Cine Club

Big Bad Wolves llega a las salas comerciales

1398242017Después de siete meses de su pase en Sitges, llega por fin este miércoles a nuestra cartelera el segundo largometraje de Aharon Keshales y Navot Papushado. Filmax presenta  Big Bad Wolves como una comedia negra sobre el lado más brutal de la violencia, pero en nuestra opinión no lo es puramente. En esta cinta hebrea nos encontramos más bien con un thriller dramático salpicado (eso sí) de grandes dosis de humor negro. Mezcolanza que no todo el mundo acogió bien, sobre todo porque en el fondo nos encontrábamos ante un caso de pederastia y no todos aceptan que se frivolice sobre un tema que tanto nos sensibiliza. Nos enfrentamos a una serie de brutales asesinatos que ponen en rumbo de colisión la vida de tres hombres: el padre de la última víctima, sediento de venganza; un justiciero detective de policía que opera en los límites de la ley; y el principal sospechoso de los homicidios, un estudiante de religión arrestado y luego liberado debido a una negligencia policial (argumento extraído de Filmaffinity). Próxima en su argumento a Prisoners, se separa de la película de Denis Villeneuve por su tratamiento: si la primera hacía hincapié en el drama para explorar los límites morales de la venganza, Big Bad Wolves se apoya en la sátira para ponernos igualmente ante el mismo dilema moral, una forma más cáustica de encararnos a la dialéctica entre la ley racional y la justicia.

Considerada por Tarantino como la mejor película del 2013, se alzaba en Sitges con el premio a la mejor dirección para Aharon Keshales y Navot Papushado, viejos conocidos de los aficionados por su ópera prima,  Rabies,  también vista en una anterior edición (año 2010). La película arranca con una secuencia prólogo de tintes casi oníricos en la que de forma elegante se nos explica la desaparición de una niña, tras ella asistimos a un radical cambio de tono: nos trasladamos a los sótanos de una escuela donde tiene lugar el violento interrogatorio a un supuesto sospechoso practicado al margen de las ordenanzas, una violencia tiznada de comicidad en alguno de sus momentos. Así desde el arranque nos encontramos con lo que será el tono de todo el filme, esos tres hilos que se van trenzando: la violencia, el humor negro y la elegante estilización cuando se nos presenta a las pequeñas víctimas.

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Aunque su carácter híbrido no haya sido disfrutado por todos, hay que reconocerle a los israelitas que han sabido huir con acierto de la corrección política para abordar temas a la par universales y de rabiosa actualidad (la pedofilia, la tortura, los límites racionales de la ley y la justicia…), a la vez que ironizar con problemas más circunscritos a la cuestión israelita como el papel del ejército o la convivencia con los palestinos. De modo que no puede decirse que Big Bad Wolves no cumpla con la dimensión crítica del cine: con su acidez y mordacidad nos golpea bien hondo, porque nos incomoda ante nosotros mismos y nos hace reflexionar sobre nuestros propios principios; y en ello es más efectiva que otras cintas más de tesis como la ya mencionada Prisoners (que es también una notable película, por supuesto). En definitiva, un filme que busca removernos y lo consigue, que nos pone sonrisas en los labios pero para sacudirnos las entrañas.

Snowpiercer, una aventura distópica

guia.inddPuede leerse en la crítica americana que Snowpiercer es una obra maestra destinada a marcar un hito a la altura de Blade Runner y Mátrix. También aquí los primeros en verla (fundamentalmente críticos) no han vacilado en afirmar que acabará convirtiéndose en obra de culto. Estas afirmaciones ponen las expectativas muy altas, y a veces eso no es bueno para una película. A mayores expectativas, mayores   decepciones entre el público. No me gustaría contribuir a ello, pero lo cierto es que Snowpiercer es una de esas películas que te pueden solucionar un mal día, te hacen creer nuevamente en el cine y tienes muy claro que figurará en tu top ten cuando hagas recuento de lo visto a lo largo del año (esa práctica en la que todos caemos al llegar diciembre a la hora de los balances).

Y es que Snowpiercer es uno de esos filmes a los que te puedes acercar desde varias  perspectivas. Es una película de acción y como tal puede hacer las delicias de quienes buscan en el cine entretenimiento, pero no se queda ahí porque es también una profunda y poderosa distopia apocalíptica que nos enfrenta a nuestro mundo proyectándolo en un futuro (no demasiado lejano) sin caer nunca en lo panfletario. Es un debate sobre nuestro sistema y, más allá de ello, sobre la condición humana; ese bifrontismo que nos lleva a acometer los mejores y los peores actos, los cuales forman un círculo en el que ambos extremos parecen  inevitables e incluso necesarios. Snowpiercer, lo adelantamos ya, apuesta por afirmar la posibilidad de romper ese círculo, la posibilidad de alcanzar un nuevo origen aunque sea a  costa de la destrucción de todo lo conocido: la vida puede regenararse y construir un nuevo mundo en el que, tal vez,  el equilibrio no pase por las estructuras de dominación y la división de clases que hasta ahora hemos conocido.

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Bong Joon-Ho ( el autor de The Host) hace arrancar la acción en este nuestro 2014 preocupado por el cambio climático. Hoy, (14 de abril) y sin ir más lejos, un nuevo ultimátum de la ONU a los gobiernos ocupa la portada de los periódicos). En la ficción se anuncia la inminencia de la solución, basta con enviar a la atmósfera cargas de un nuevo producto capaz de hacer frenar el calentamiento global. Sin embargo el experimento resulta fallido y se desencadena una nueva era glaciar que acaba con la vida sobre el planeta. Sólo unos cuantos llegan a salvarse gracias a esa especie de arca mecánica que es el snowpiercer, el último tren diseñado por la empresa Wilford dotado de un motor capaz de permanecer en movimiento perpetuo y que viajará en círculos alrededor del planeta. La acción avanza diecisiete años y llegamos al 2031, y en el tren rompehielos se han reproducido las diferencias sociales de la tierra: los vagones de cola son ocupados por la clase baja, sometida y hambrienta; de los delanteros se sabe que es habitada por las clases altas donde viven con toda clase de privilegios y excesos, todo ello auspiciado por el propio Wilford que gobierna la máquina. No todo es sumisión en la sección de cola, hay voces que se alzan contra esa injusticia y planean el asalto de la máquina. Su líder espiritual es el anciano Gillian (John Hurt) que alienta al joven Curtis (Chris Evans) a organizar una revuelta.

snowpiercerLa aventura de Curtis, y de quienes se apuntan a seguirle, nos irá conduciendo a lo largo del tren revelando que hay en cada vagón. Que es tanto como ir descubriendo la organización del mundo y la arbitrariedad que lo gobierna. Si es habitual usar el tren como metáfora de nuestra vida, que es un transito, en la obra de Bong Joon-Ho lo es explícitamente: “El tren es el mundo y sus pasajeros la humanidad entera“, se dice en un momento del filme. El todo es un engranaje, en el que cada pieza es necesaria si cumple con su función; así, en el snowpiercer como ecosistema cerrado que es, todo está diseñado para mantener constantes las proporciones que garantizan su diversidad, si para ello es necesario que se mantengan las diferencias sociales se hará todo lo posible para que perduren. Así, hasta las revueltas están concebidas para conservar el particular statu quo que da naturaleza a ese ecosistema, son un medio que tiene como fin nivelar la población ya que a toda rebelión le sigue su sofocamiento.  El orden del sistema está calculado con detalle para evitar su aniquilación, está pensado para perpetuarse infinitamente. La única salida posible es romper el círculo, dinamitar las estructuras, aceptar el sacrificio apocalíptico y conservar la esperanza de que un segundo origen será posible tras la devastación. Así de rotunda es Snowpiercer.

Conceptualmente inquietante, su gran valor es que la idea de fondo no sobrepasa la forma de la exposición. La distopía es expuesta bajo el ropaje de la acción épica y funciona perfectamente en los dos planos, trenzándose el uno con el otro y dándose sentido mutuamente. El periplo de Curtis desde el vagón de cola hasta la máquina adopta la forma de sucesión de pruebas, siendo cada vagón la resolución de una misión, como si se tratará de una aventura gráfica. Mención especial merece el episodio en el que para acceder al vagón de distribución de agua, se dan de cara con un ejército de enmascarados provistos de hachas, es una secuencia cruenta que no está exenta de humor. Un humor propiciado por el planteamiento surreal de situaciones y personajes. Entre los personajes bizarros merece snowpiercer_tildaswinton_frikarte-e1394292692791ser destacado el papel interpretado por una irreconocible Tilda Swinton, la primera ministra del tren que es la encargada de trasladar las órdenes desde la máquina a el vagón de cola, la veladora del orden. Histriónica y despiadada, propicia algunos de los momentos más divertidos a la par de crueles (una crueldad que bebe directamente del espíritu del cartoon). Despiadada es la propia película, que no vacila en ir eliminando personajes conforme avanzamos en la aventura,  muertes nada teatrales (menos aún sensibleras) que obedecen a la lógica implacable del relato. De todos los sublevados sólo Curtis llegará a la máquina en la que se encontrará con Wilford, interpretado por Ed Harris, ahí es donde reconocemos que todo ha sido un viaje iniciático para llegar a enfrentarse a la fuente, al origen, de todo lo existente; el encuentro con Wilford se instala en la tradición que lleva a enfrentar la criatura con el creador. Así podemos evocar desde el Frankenstein de Mary Shelley, hasta el encuentro de Neo y el Arquitecto en Mátrix, pasando por el productor ejecutivo Christof de El show de Truman (también interpretado por Ed Harris)  con cuyo final no faltan las concomitancias (la solución pasa por la ruptura del círculo cerrado con todas sus consecuencias).

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Una película como Snowpiercer es también un prodigio de efectos especiales. En este apartado el mayor reto era darle fisicidad al tren, ya que después de todo tiene tanto protagonismo como los personajes. Tres artistas conceptuales, incluyendo a Jang Hee-chul, el diseñador de la criatura en The Host, trabajaron juntos en ello, incluso antes de escribirse el guión de Snowpiercer. El tren tenía que tener al menos 4 largos compartimentos para mostrar a los pasajeros de la sección de cola en su carga inicial, por lo que se escogió el Estudio Barrandov de la República Checa al tener, con sus 100 metros, el set más largo de Europa. snowpiercer arte conceptual 2Se diseñó y se construyó un gigantesco cardán para simular los movimientos realistas de un tren de alta velocidad. Un cardán es un mecanismo que se usa para similar el movimiento de enormes barcos o submarinos como Piratas del Caribe o Marea Roja, por lo que es también una herramienta crucial en la consecución de movimientos realistas de un tren. Sin embargo, nunca se había oído hablar de un cardán lo suficientemente grande para soportar 120 toneladas de tren, con vagones de unas 30-40 toneladas cada uno, y ocupando 100 metros de largo. El equipo de efectos especiales del Estudio Barrandov creó este cardán gigante con 6 cámaras de aire en cada vagón, que podían controlar la frecuencia y la intensidad del movimiento, además de situar un motor especial debajo del mismo, utilizando los planos del director Bong Joon-ho para la simulación del tren. El resultado fue un tren ficticio que se movía como un tren en unas vías reales, que se doblaba como una serpiente en las curvas, y que se sacudía de manera realista en su interior, prolongándose hasta muy lejos la mirada y perspectiva del movimiento interior. El cardán ayudó a los actores a sentir que estaban en un tren de verdad, y la misma sensación tendrá el público: sentirá también estar viajando dentro del tren.

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