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Año 2013: el top ten de Serendipia

30 diciembre 2013 Deja un comentario

El año que acaba siempre quedará en mi memoria como aquel a partir del cual ya no podré decir que nunca me he roto un hueso. Ha sido un año bien surtido de médicos y hospitales, aunque todas esas visitas han acabado con final feliz. Eso prueba que por mal que vayan las cosas, antes de que la parca nos llame, siempre hay remansos de bondad. Y a la hora de los balances siempre cabe destacar lo positivo, aunque sólo sea como ejercicio para forzar el optimismo y arrinconar el miedo.

En cine, 2013 no ha alumbrado ningún título absolutamente incuestionable, pero sí ha dado filmes notables para todos los gustos, tanto para el cine en general como para el género en especial. La singladura personal de Serendipia se estrenaba con Amor de Haneke y todo apunta a que habrá terminado con Paranormal Activity: Los señalados, un viaje, pues, que va desde un polo a su contrario. Desde la obra que busca  permanecer en la historia hasta su filme opuesto, aquel pensado para el consumo rápido y el olvido. Desde el cuidado por el encuadre perfecto, llevado hasta el paroxismo del plano fijo de larga duración, a la cámara en mano temblorosa y en constante movimiento para adscribirse, una vez más, en el found footage. Así de eclécticos son sus gustos, así lo son también las tendencias del cine actual.

De invierno a invierno y tira porque me toca, ha llegado el momento de elegir las favoritas del año, no por ánimo de juzgar y sentar cátedra, sino más bien de hacer recuento y dejar constancia en la memoria escrita de aquello que pasó a formar parte de nuestra historia particular. Y, claro, el listado por coherencia con este blog-proyecto lo hemos confeccionado exclusivamente con las cintas de género que más huella nos dejaron.

De mayor a menor preferencia hemos elegido los siguientes diez títulos (diez el número mágico de los pitagóricos):

1,- Gravity, Alfonso Cuarón

2,- Siete psicópatas,  Martin McDonagh

3,- The Conjuring, James Wan

4,- The Congress, Ari Folman

5,- Jodorowsky’s Dune, Frank Pavich

6,- Stoker, Park Chan-wook

7,- You are the next, Adam Wingard

8,- Pacific rim, Guillermo del Toro

9,- The Dead 2: India, Howard J. Ford, Jonathan Ford

10,- Mamá, Andrés Muschietti

Y además queremos dar una mención especial a Tanatomorphose con cuyo director, Éric Falardeau tuvimos ocasión de conversar (y hasta bailar) durante su presentación en el Cryptshow. Esta es una lista que marcará coincidencias con otras, pero que también mantendrá discrepancias, especialmente por Mamá, pero a nosotros nos gusta que directores noveles tengan ocasión de llegar al gran público y consideramos que aunque sólo fuera por su segmento inicial debía de haber recibido mejor trato por la crítica.

En suma, ha sido un año en el que hemos disfrutado del cine en pantalla grande, esa gran fábrica de sueños e ilusiones que nos ayuda a encontrar sentido en nuestros días. Esperamos que así siga siendo en el 2014 que ya mismo empieza. Feliz año de cine para todos!!!!

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Gravity, es necesario siempre intentar vivir

El subtítulo que le hemos dado a este comentario es la traducción del último verso de El cementerio marino de Paul Valery. El mismo verso que me sirve desde ni sé cuándo para dejar constancia de mis condolencias en cada funeral al que acudo. Es el resumen más conciso del optimismo trágico que me ayuda a levantarme cada mañana a esta existencia diseñada para llegar a la muerte como único destino infalible. Valery es mi excusa para armarme de valor y encarar día a día mi existencia nada ajena al pensamiento de la muerte. Si lo traigo aquí es porque siento que esa filosofía de vida es la misma que imprime Alfonso Cuarón a su última odisea cinematográfica, Gravity.

gravity pósterGravity, tras su éxito en el Festival de Venencia, ha sido comparada al Avatar de James Cameron y el 2001, una odisea del espacio de Kubrick. Durante un paseo espacial rutinario, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Una es la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock), una brillante ingeniera en su primera misión espacial en la Shuttle. Su acompañante es el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney). Durante el paseo algo sale mal y ocurre el desastre: el shuttle queda destrozado, dejando a Ryan y Matt completamente solos, momento a partir del cual intentarán por todos los medios volver a la Tierra (argumento extraído de Filmaffinity). La respiración de la doctora Stone se agita cuando se ve flotando sin rumbo en el espacio y con ello se nos anuda la angustia en el estómago como espectadores y no nos despegamos de nuestras butacas hasta que termina la proyección. Si se la puede emparejar con 2001 es porque como la película de Kubrick la de Cuarón es más que una película del espacio, es toda una metáfora del sentido de estar vivos como humanos. Todos sabemos que vamos a morir, todos estamos en la piel de la protagonista, todos sentimos su miedo y todos aprendemos con ella a aceptar la muerte y la vida a la misma vez. Porque tanto la una como la otra son experiencias límite y limítrofes. Gravity nos habla de renacer y de alzarnos heroicos sobre nuestros pies aunque bajo ellos sólo se extienda una superficie resbaladiza de transitoria belleza.

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La película de Cuarón funciona como metáfora, pero no es un filme discursivo ni retórico. Se trata de un guión en el que sólo queda lo esencial, esa fue la aportación de Jonás Cuarón a este trabajo con su padre:  “El experimento del guion era despojar todo de narrativa y crear un viaje visceral y emocional donde el espectador se convierte en otro personaje”. Para su director la película había de funcionar como thriller pero también como drama y ese difícil equilibrio está perfectamente logrado, asistimos a noventa minutos de tensión continúa, pero a la vez empatizamos con ese personaje cuya psicología va perfilándose sin subrayados y esa conexión emocional es la que nos lleva al trasfondo, a los temas profundos que hemos esbozado. Gravity funciona como un mecanismo de relojería perfectamente engranado. Y todo ello rodeado de un derroche visual de altos vuelos en el que la ingravidez espacial está filmada como si realmente el filme estuviera rodado en atmósfera cero.

La idea de Gravity fue concebida antes de que hubiera la tecnología suficiente como para grabarla, en verdad se ha tenido que ir inventando y desarrollando durante los cuatro años y medio que duró el proceso de concepción, rodaje y postproducción del filme. Sobre los Gravity-2013-Movie-Image-6aspectos tecnológicos declaró Alfonso Cuarón para La Vanguardia que: “Es una combinación de muchas cosas. Depende de qué tomas. Lo principal es una combinación de robótica, que son esos robots que están para construir autos, que aquí usamos para mover las luces y las cámaras, junto con unos robots especiales donde estaba Sandra y que la movían de una manera absolutamente milimétrica. Por otro lado utilizamos un cubo perfecto de 3×3 metros donde todas las paredes internas son luces LED. En ese cubo se presentaba lo que básicamente era el punto de vista de Sandra cuando flotaba en el espacio. Pero, como ella está girando, ese punto de vista se está moviendo y eso es lo que ilumina al personaje. El cubo tenía agujeros por donde la cámara podía ver al personaje. Era todo una combinación, pero tenía que estar todo perfectamente programado. Las luces, la cámara, el movimiento de los robots y toda la logística de Sandra. En esta película ella fue como una bailarina que tuvo que aprenderse cuarenta y cinco pasos para cada fragmento. Y lo que resultó impresionante de ella era que se los aprendía a la perfección para tenerlos muy claros, para después preocuparse únicamente por la parte emocional.

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Cuarón destaca justamente el trabajo de Sandra Bullock porque la actriz salda con excelentes resultados el reto de sostener casi la totalidad del metraje. Bullock que en 2009 aceptó simpáticamente la concesión del razzie a la peor actriz a la vez que recibía el óscar por The Blind Side, compone para Gravity un trabajo modulado y preciso para encarnar a esa joven ingeniera que puede estar acometiendo el último día de su vida. Demuestra su excelente estado físico para llevar a término la acción trepidante del filme, además de belleza suficiente como para llevar a cabo un pseudo estreaptease que recuerda al de Jane Fonda en Barbarella, y la  sensibilidad necesaria para hacernos comprender el calado emocional del drama que está viviendo. El nombre de Bullock empieza a sonar ya como uno de los favoritos para la nominación a los Óscars por este papel. Por otra parte, su único compañero de reparto, George Clooney, le da convenientemente la réplica interpretando al veterano Kowalsky cuyo carácter vitalista y extrovertido tendrá un peso definitivo en uno de los momentos más decisivos del filme.

Gravity, apabullante en lo visual, emotiva en lo humano, con mimbres de tragedia griega, inscribe el nombre de Cuarón con letras de oro en el género. La mejor película del espacio para James Cameron, según declaraciones a Variety. Un filme ingrávido y sutil que nos encoraja para seguir intentando vivir.

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R.I.P.D. la policía del más allá

16 septiembre 2013 Deja un comentario

R.I.P.D. departamento de policía mortal viene anunciada con un jugoso argumento: Nick Walker (Ryan Reynolds) y Roy Pulsipher (Jeff Bridges) son dos policías especiales. Nick acaba de morir, pero es llamado para trabajar con Roy, un agente que murió hace cientos de años. Ambos formarán el Rest In Peace Department y se encargarán de perseguir a los demonios que habitan en el mundo de los vivos y de mandarlos al infierno. Se trata pues de una buddy movie con tintes sobrenaturales, que nos lleva al purgatorio de los policías que aún no están preparados para el juicio final. Y aunque no vaya a convertirse en película de culto no decepciona en sus planteamientos.

ripd cómicLa película adapta un cómic de Dark Horse Comics escrito por Peter M. Lenkov (responsable también de los guiones de C.S.I) y es fiel al espíritu cartoonesco de la aventura gráfica. Típica historia de compañeros tiene como eje central de la trama la relación entre el recién muerto Nick Walker y el experto Roy Pulsipher y como tal nos irá mostrando el crecimiento del iniciado y la evolución del mentor. La posibilidad de crear un mundo muy intrincado entusiasmó a Neal H. Moritz: “A nivel conceptual, R.I.P.D. era una historia única acerca de un departamento de policía dedicado íntegramente a encontrar a los muertos que viven entre nosotros y llevarlos al otro lado para ser juzgados. Pero a otro nivel, está directamente relacionada con películas de compañeros como Límite: 48 horas o Arma letal. Hay una dinámica genial entre los dos actores. Decidimos hacer una película del tipo pareja de policías con mucha acción, asegurándonos de que hubiera mucho en juego y de que se convirtiera en una de las películas de este verano”.

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Aunque se mantiene fiel al cómic que adapta, el filme aporta la creación de los villanos a los que se enfrentan los protagonistas. Se trata de los Diñados. Fue una idea de Robert Schwentke (director que recibió el encargo de llevar al cine la historia) y de los guionistas Phil Hay y Matt Manfredi, y gira en torno a una nueva amenaza para el género humano. Además de los demonios de la novela gráfica, los Diñados pueden pasar de un mundo a otro. Los guionistas y el director estaban seguros de que el concepto añadiría otro toque al apocalíptico enfrentamiento final.

Básicamente, se trata de almas destinadas al infierno que rehúsan andar hacia el vórtice de luz y pasar al otro lado. Los Diñados prefieren esconderse en el mundo de los vivos mientras puedan. “Queríamos que los Diñados, los malos de la historia, pareciesen humanos al principio antes de exponerlos”, explica Matt Manfredi. “Se nos ocurrió que si alguien muere y no quiere pasar al Más Allá, podríamos ayudar a la historia enseñando qué ocurre si alguien debe morir y no lo hace: el alma adopta curiosas manifestaciones”.

ripd pósterEl director de producción Alec Hammond, y los diseñadores de criaturas Crash Mccreery  y Eddie Yang, así como la productora de efectos visuales Juliette Yager, se encargaron de diseñar las decenas de Diñados una vez que aparecen y revelan su auténtica naturaleza. Gracias a las oportunidades ilimitadas que ofrecen las imágenes digitales, pensaron en crear una multitud de criaturas malvadas, amenazantes y a menudo de aspecto humorístico. Solo era necesario respetar una sencilla regla: un Diñado aparecido debía recordar al ser humano que fue en la vida real. En otras palabras, debía ser una manifestación exagerada de su maldad anterior. Por ejemplo, si era un ladrón en la vida real, el monstruoso Diñado tendría unas manos enormes en cuanto se revelara su auténtica naturaleza. Y el tono cómico se refuerza por su alergia al comino que es el que les arrebata su camuflaje humano.

La imagenería visual que desarrolla R.I.P.D departamento mortal se redondea en su proyección 3D. Un 3D que sin ser de los más espectaculares (no se trata, pues, de un caso como el de Pacific Rim) es eficaz para rematar la puesta en escena muy hábil para transmitir el espíritu de aventura gráfica, el alma pop del relato. Se diría que pese a gozar de un buen presupuesto el equipo técnico, presidido por los productores, se han esforzado en darle a la cinta ese aire de serie B que se echa de menos en el cine actual. Otra de sus bazas es que la película no se toma en serio a sí misma y así se ingiere como un caramelo refrescante. En suma, estamos ante una película menor que no deja de sorprender y permite pasar un rato agradable.

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Hit Girl y Kick Ass vuelven a la acción en Kick Ass 2… y esta vez no vienen solos

2 septiembre 2013 Deja un comentario

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De abril de 2008 a marzo de 2010 se publicó una mini-serie de 8 números en Estados Unidos, Kick-Ass, que dejó boquiabierto a más de uno (entre los que me incluyo), pero también recibió los varapalos de turno por las altas dosis de violencia que contenían, protagonizados en su mayoría, para más inri, por Hit-Girl, una niña de 11 años. Pero a los que nos encantó nos dejó con ganas de más. Pero sin estropear lo leído, rogando que no bastardizaran el concepto y se convirtiera en una de esas series regulares  anodinas creadas para explotar el filón y en la que a los pocos números los creadores  pasan el testigo a otros autores con los que, irremediablemente, se aboca hacia el aburrimiento. Crucé los dedos para que no fuese así  y por suerte Kick-Ass ha visto publicadas dos secuelas en forma de mini serie manteniendo a sus creadores y llevando todo con mucha dignidad.

Pero hagamos un poquito de historia. El escocés Mark Millar, guionista en diversas series Marvel, llegó al corazón del lector con The Ultimates, serie que modernizó el concepto de Los Vengadores sin traicionar a los fans y recreando unos personajes cuyas caracterizaciones son las que han sido llevados al cine con tanto éxito. Millar y el dibujante Bryan Hitch fueron los responsables, entre otras cosas, de que ya desde el cómic  Nick Furia tuviera la apariencia de Samuel L. Jackson. Tras realizar guiones para los principales iconos Marvel, Spiderman y Lobezno, Mark Millar  la volvió a liar con otra serie limitada, Civil War, con cuyo dibujante, el excepcional Steve McNiven, realizó la mini serie El viejo Logan, entre otras.

John Romita Jr. y Mark Millar (que no se resistieron a salir también disfrazados en Kick Ass 2)

John Romita Jr. y Mark Millar (que no se resistieron a salir también disfrazados en Kick Ass 2)

Y si Mark Millar destacó y se dio a conocer con estas series, no pasó lo mismo con John Romita, Jr.  un viejo conocido del lector de cómics Marvel y portador de un apellido capital, ya que su padre es el creador de las imágenes definitivas de todos los personajes de Spiderman tras dejar su creador, Steve Ditko, la serie en el número 38,  Romita rediseñó los personajes con especial cuidado a los secundarios y en particular a las damas: Mary Jane y Gwen Stacy aún hoy se siguen dibujando como las diseñó Romita, así como el propio Peter Parker. En definitiva, Spiderman no tendría el aspecto que tiene si no hubiera tenido el placer de conocer a John Romita.

KickAss_03_SecondPrintingAsí que, con toda una vida mamando cómics y viendo a su viejo dibujando sin pausa, no es extraño que John Romita, Jr. escogiera el trabajo de su padre. Si bien al principio era un tanto mediocre en su labor, cuando decidió soltarse el pelo y dar personalidad a sus dibujos, especialmente durante su última y larga etapa con el personaje Spiderman, es cuando se convierte en uno de los dibujantes más importantes del cómic americano.

Y estos dos tipos son los que juntaron sus talentos para crear Kick-Ass, serie basada en el sueño adolescente del propio Millar de vestirse de super-héroe y hacer justicia que, aunque bebe del Peter ‘mequetrefe’ Parker de los sesenta, da la vuelta al tema y se llena de mala leche, violencia, mucha sangre, litros y litros… ¡cubatazos de sangre! y varios compañeros adorables entre los que destaca la sanguinaria y retaco Hit-Girl, personaje que, tanto en el cómic como en la pantalla se come al protagonista. La serie tuvo tanto éxito que se convirtió en una más que correcta película de la que, en su momento, ya les hablamos aquí. Film que, si bien se ahorraba algunos detalles realistas y sórdidos de la versión impresa, nos ofrecía toda la violencia con una tremenda Chloe Moretz, que nos robó el corazón a golpe de katana.

kick-ass2Millar y Romita Jr. tenían claro que la secuela, Kick Ass 2, tenía que estar a la altura de su predecesora. Y en diciembre de 2010 salió a la venta el primer número de la segunda mini serie, en esta ocasión de siete números que, si bien no resulta tan atractiva como la primera, si que da un continuidad digna a la serie, reincidiendo en esa violencia tan brutal que casi llega a la parodia y con un final de infarto que, por cierto, la película no ha respetado (así como la carga violenta que desde las páginas del cómic despliega el antagonista de Kick Ass, Motherfucker),  prefiriendo dejar un final abierto para una nueva entrega. De  agosto de 2012 a abril de 2013 se publicó un tercer y hasta el momento último acercamiento a los personajes con la mini serie Hit-Girl,  que se sitúa entre las dos series anteriores y de la que se han tomado varias situaciones para el guión de la película  Kick Ass 2, que es bastante fiel al argumento de la segunda serie, excepto, tal y como hemos indicado, en el final, en cambiar algún personaje y ciertos brochazos de sangre que se han ahorrado.

Y ahora, lejos de fetichismos, dejemos que la parte seria de Serendipia analice la película en sí…

Esta continuación de las aventuras del quijote de los cómics nos cuenta que la loca valentía de Kick-Ass (Aaron Taylor-Johnson) inspirara a toda una oleada de nuevos defensores del bien dirigidos por el implacable Coronel Barras y Estrellas (un, afortunadamente irreconocible, Jim Carrey). Nuestro héroe decide unirse a ellos. Pero cuando Bruma Roja (Christopher Mintz-Plasse), que regresa con el nombre de El Hijoputa, decide deshacerse de esta panda de superhéroes aficionados, solo Hit-Girl (Chloë Grace Moretz) podrá impedir que los aniquile… [argumento extraído de Filmaffinity]. Ya la misma sinopsis hace entrever algo que habremos de comentar: aunque se supone que estamos ante la saga del héroe del traje de neopreno verde, la que roba más metraje y centra más interés es Hit-Girl; y no es que no se agradezca esa usurpación de protagonismo pero ello conducirá a que la película resulte irregular.

Kick-Ass 2, con un par (Kick-Ass II, 2013, Jeff Wadlow) pinchaba en su estreno USA al alcanzar sólo el quinto puesto en la taquilla en su primer fin de semana en cartel. Aunque el arranque de la primera parte también fue modesto, con el boca oreja fue ascendiendo hasta alcanzar una recaudación final muy aceptable, sin embargo no creemos que vaya a ocurrir lo mismo con esta nueva entrega. La película del inexperto Wadlow cumple de forma suficiente (que no notable) con su función de entretenimiento, pero poco más. Igualmente su recepción por la crítica americana ha sido tibia (siendo las opiniones negativas las más vehementes), no ha llegado a convencer del todo a los profesionales. Y nos atrevemos a predecir que también dejará decepción en muchos sectores del público. No podemos por menos que hacernos eco de las palabras de Mark Adams (Screendaily): “En última instancia resulta más bien dispersa y desarticulada, tal vez simplemente porque carece de la gran originalidad y transparencia de la original“, y nos hacemos eco porque ese es el sentimiento que nos provocó.
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Efectivamente, la primera entrega nos sorprendió y mereció nuestro entusiasmo por su punto de vista fresco y original sobre la literatura (y el cine) de superhéroes, con su tono modesto e independiente. En cambio, como reconoce la propia distribuidora (Universal), esta secuela es más popular y americana; cosa que aceptamos pero dándole a la valoración su acepción peyorativa. Sobre todo se echa en falta hondura en el retrato psicológico (y no es que esperáramos enfrentarnos a un drama de Dostoievsky) suficientemente perfilado en la película de Mathew Vaugh (su predecesora), y ello a pesar de que en palabras de su director en esta segunda entrega “Dave, Mindy y Chris no saben realmente quiénes son. En la primera película se crean un álter ego, Kick-Ass, Hit Girl y Bruma Roja, pero no por eso contestan a las preguntas que todos nos hacemos: ¿Quién soy? ¿Qué sitio ocupo en el mundo? ¿Qué voy a hacer con mi vida? Una cosa es intentar ser otra persona, un superhéroe, y otra es descubrir quién es uno de verdad. Me pareció interesante que se preguntaran quién está detrás de la máscara. Resumiendo, la película habla de la madurez”. Porque, sí, los protagonistas habrán de enfrentarse a la muerte del padre (nada metafórica en su caso), superar la adolescencia y encarar la vida adulta y sus consecuencias, pero todo está tratado de forma superficial como en una típica comedia para adolescentes, y queda únicamente salvado por las tablas de Chloe Moretz y las dosis de humor que hereda del cómic.
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La joven Moretz, a la que pronto veremos con Julianne Moore en el papel protagonista del remake de Carrie, sobresale sobre el elenco como Hit-Girl siendo el centro de la mayoría de escenas de acción de Kick-Ass 2, con un par, orquestadas a la perfección por el coordinador de especialistas James O’Dee. Refiriéndose a las épicas batallas, el productor Tarquin Pack dice: “Las secuencias de lucha se basan aún más en la realidad que en la primera entrega. Entonces, y dado que Chloë solo tenía 11 años, las peleas se enfocaron con un cierto toque de fantasía, sobre todo tratándose de una niña matando a adultos. Debía ser otra realidad, ya que emocionalmente era una noción absurda porque era una cría. Pero ahora, Chloë ha crecido, es mayor, y la acción puede ser más realista“. Y aunque ello sigue siendo atractivo, la película se resiente, pues las partes en las que ella no está presente no tienen la misma intensidad, suponen una decaída en el interés y el ritmo (ello a pesar de que tanto Aaron Taylor-Johnson en el papel de Kick Ass y Christopher Mintz-Plasse en el de El Hijoputa resuelvan correctamente su interpretación). Chloe-Hit Girl, se lo come todo y así resulta desaprovechada la interpretación de Jim Carrey y su personaje, la del resto de miembros del bien, y la del ejército de villanos (con la única excepción de Madre Rusia (Olga Kurkulina) aunque también podría haber dado más juego); y el resultado es el de una película desequilibrada que no logra ningún brillo.
Kick Ass 2, con un par, es una de tantas medianías, lejos queda la sorpresa de la primera. Hay que reconocerle, eso sí, un desenlace vibrante y el brillo de las coreografías de Hit- Girl. Divertirá, algunos quedarán suficientemente satisfechos, pero también recibirá su buena dosis de decepción.
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Pacific Rim&Elysium, un tandem para el verano

Para los que nos quedamos en la city, agosto es como un largo y aciago domingo, un gloomy sunday como aquel que dio título a una vieja canción de suicidas. Si algo puede salir mal, si algo puede complicarse en una ciudad en la que no está de turno ni el sereno, saldrá mal como en las peores pesadillas de Murphy. Sudor, calles desiertas llenas sólo de tiendas cerradas y, lo peor, de bares cerrados. Un paisaje apocalíptico en el que las hordas de turistas descamisetados actúan como una auténtica plaga bíblica. Calor, vacío y sensación de que somos los únicos desamparados de la mano de Dios que no tenemos playa o piscina que echarnos a la espalda entre siesta y cerveza fresca.

LOCAL

Agosto es un secarral en el que todo parece quedarse entre paréntesis hasta que la nueva vida se ponga en marcha con la vuelta al cole en El Corte Inglés. Pero todo desierto tiene su oasis y los cines, pese a sus precios, siguen siéndolo para muchos. O como mínimo son su doble perverso, el espejismo, porque ya se sabe que cine y verano es una suma que da como total blockbuster. Las salas oscuras en verano son cómplices como nunca del placer culpable y es que, ya se sabe, blockbuster es depauperado entretenimiento para la masa, producto industrial que no arte, insulto para la inteligencia incluso para según quien, pero, ay, ay, a veces alguno está tan bien facturado que es difícil resistirse a su canto y, por apelar a lo más básico, acaban por gustar incluso a quienes no quisieran. Ese es el caso de Pacific Rim (2013, Guillermo del Toro) y de Elysium (2013, Neill Blomkamp), dos películas destinadas a aliviarnos los calores y a deshacernos los malos humores si sabemos entrar en su juego, películas que cosecharán críticas furibundas y parabienes a partes iguales, porque son lo que son, productos de perfecto alicatado programados para hacernos evadir.

“No éramos los más deportistas ni los mejores de la clase, sólo teníamos la virtud de ser óptimos en el combate” así se describe en off el protagonista de Pacific Rim en el apretado prólogo de la cinta, y parece toda una declaración de intenciones de del Toro sobre el filme. El mexicano se plantea su película homenaje al cine de los Kaiju eiga como un colosal combate contra los sentidos del espectador, se trata de pegarnos a la butaca y dejarnos anonadados tal como nos quedábamos en nuestra infancia al ver aquel cine de bestias gigantes. Por eso esta vez es imprescindible que vayamos a verla al cine con la mayor pantalla y el mejor 3D posible, porque sino nos habremos quedado sin apreciar sus mejores mimbres y elementos (si hay que sacrificar la V.O., creánnos, ¡sacrifíquenla!). Pacific Rim es espectáculo, espectáculo visual, el placer que pretende depararnos es el de ver cómo gigantes, robots, personajes y objetos, dinamitan continuamente la cuarta pared, ahí es donde está su poesía y su razón de ser.

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Se trata de encasquetarnos las gafas y dejarnos arrollar, porque si lo hacemos la cinta nos irá revelando sus pequeños secretos. La acción nos cuenta que la tierra padece una invasión alienígena surgida de una brecha en el fondo del océano a través de la que salen monstruos (Kaijus) cada vez más espectaculares, invasión que es combatida por pacific-rim-deltoropoderosos engendros mecánicos (llamémoslos robots o mechas según el grado de especialización que deseemos darle a nuestras palabras) pilotados por dos tripulantes conectados neuronalmente (Jaegers, palabra alemana que significa cazador, pero que habrá sido elegida por su proximidad fonética a eiga en un guiño al espectador avisado). Cuando la amenaza de los Kaijus parezca superar las fuerzas de los Jaegers de última generación digital, se habrá de poner toda la esperanza en un antiguo Jaeger analógico (y nuclear) pilotado por Raleigh Becket (Charlie Hunnam) vieja gloria que se había retirado y la neófita Mako Mori (Rinko Kikuchi) brillante alumna que aún no ha entrado en combate. La trama tiene todos los tópicos propios del género y del Toro no va a hacer nada por evitar que sean superficiales personajes y situaciones, así habrá quien diga que en temas como el honor, la lucha, el compromiso con la patria, el respeto pacific-rim-deltoro2a la autoridad o la importancia del desacato, el méxicano adopta un punto de vista ramplón e incluso patriotero. No, no es en los trazos gruesos de la trama donde cabe buscar el mensaje, se diría que para del Toro eso no es más que una excusa superflua para abordar lo que verdaderamente le interesa: los propios Kaijus y Jaegers; esto es, la propia imagenería que va a  desplegar virtuosísticamente a lo largo de las más de dos horas de metraje. Pacific Rim es un homenaje al mundo del anime, mejor aún, del anime que empezó a exportarse desde Japón en los años 70 y que llenó las pequeñas pantallas de muchos hogares haciendo las delicias de quienes eran niños, como el propio del Toro, por entonces, a todo el subgénero de los mechas (seamos precisos aquí) con Mazinger Z a la cabeza. Y siendo un homenaje a ese género lo es, por tanto, a la infancia, o mejor aún, a la necesidad de conservar la visión infantil en esta época de tanto adelanto técnico y tanta crisis de valores; así, quedándonos en la superficie es como mejor conectamos con el verdadero quid, y como aflora el del Toro autor desde el mejor del Toro artesano.

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Sin tomarse en serio a sí misma, Pacific Rim resulta un ejercicio de épica pop que comunica diversión y entretenimiento festivo. En el otro extremo del ring (pero sin ser su opuesta) se alza Elysium como un  intento de tejer una ciencia ficción comprometida, pero igualmente mainstream, pop y popular.

Elysium cartel

El sudafricano Neill Blomkamp se daba a conocer en 2009 con su ópera prima Distrito 9, película que con un modesto presupuesto abordaba el lamentable tema del apartheid en clave de ciencia ficción. Se perfilaba, pues, como un autor capaz de conjugar reflexión y evasión. En esa misma línea le vemos avanzar cuatro años más tarde con Elysium, una distopía que acierta a plantear algunos de los temas candentes de nuestra realidad actual. Elysium BlomkampEstamos en el siglo XXII, la tierra se ha convertido en un planeta contaminado, superpoblado y enfermo; las clases pudientes lo han abandonado para instalarse en la base espacial Elysium, construida por la empresa Armadyne, allí gozan de una vida paradisíaca en grandes mansiones rodeadas de verdes espacios y a la que no afecta ni la enfermedad gracias a los avances tecnológicos. Max (un Matt Damon fornido como un toro bravo) es un huérfano acostumbrado a buscarse la vida desde niño que trabaja como obrero para las instalaciones de la compañía en la tierra y que, como todos, desearía poder emigrar a la base. Cuando sufra un accidente radioactivo en la fábrica, Max se verá inmiscuido en una peligrosa misión de la que acabará dependiendo el destino de la humanidad. En su aventura es perseguido por Kruger (Sharlto Copley componiendo un interesante villano), un mercenario que trabaja a las órdenes de Rhodes (Jodie Foster) la ministra de defensa de Elysium, que prepara un golpe de estado que va a endurecer aún más las diferencias y la persecución de los ilegales que acuden a Elysium en busca, sobre todo, de los tratamientos que  la sanidad terrestre no cubre. La enfermera Frey (Alice Braga), cierra la trama introduciendo el elemento romántico.

Son varios los temas actuales sobre los que reflexiona Blomkamp en esta su segunda película (en la que ha contado con un amplio presupuesto), de entrada asistimos a la polarización de la sociedad en prácticamente dos clases, claro reflejo de la crisis que atraviesa el mundo desarrollado y que está acabando con las clases medias. Basta con elysium-trailer-1extrapolarlo al máximo y tendremos la situación que predice la cinta, porque la brecha que separa a las clases conduce ya a existencias paralelas en las que los pudientes casi parecen vivir en otro mundo. Es también un reflejo de la pérdida de derechos sociales, ahí estamos todos sufriendo los recortes que afectan a áreas tan básicas como la sanidad. Y, por supuesto, plasma las diferencias entre el primer y el tercer mundo que conducen al problema de la inmigración ilegal (esas naves que son como pateras). Ahora bien, que nadie espere un análisis profundo, de todo ello se exponen sólo las líneas básicas sin expandirse en las múltiples aristas de estos problemas, amén de que la resolución del filme es harto simplista. Hay compromiso por parte de Blomkamp, pero como ya decíamos, es un compromiso mainstream que nos da una distopía popular (y populista, si se quiere) que sólo será suficiente para complacer al público más mayoritario.

Y es que de eso se trata, porque como el propio director ha manifestado, de lo que se trata es de hacer género, diferente, porque el mundo está cambiando, pero haciendo prevalecer siempre al entretenimiento por encima de todo. En ese apartado, el de la acción y la evasión, la película brilla con luz propia: hay explosiones, combates, evasiones, naves que aterrizan forzosamente arramblando con todo lo que se ponga por delante… Todo un lujo pirotécnico con efectos FX realistas como ya no se ven y que, junto con la ambientación futurista de Syd Mead (sí, el ambientador de Blade Runner) para la estación espacial, son lo mejor que presenta la obra de Blomkamp.ELYSIUM-MATT-DAMON Matt Damon prueba de nuevo que es un todo terreno, para esta película ha tenido que machacarse horas y horas en el gimnasio para conseguir ese cuerpo musculado y rotundo, y resulta convincente en su interpretación del personaje mesiánico que viene a liberar a los más pobres, exoesqueleto incluido. Algo más de hora y media de acción continúa que fue recibida con aplausos en el pase de prensa de Barcelona.

Tanto Pacific Rim como Elysium vienen como anillo al dedo para sofocar los calores caniculares, son dos películas estivales que nos traen aire fresco y que bien valen que les dediquemos nuestro tiempo porque con ellas el tedio se suspende junto a la incredulidad, y eso lo agradecerá siempre nuestro cuerpo y hasta nuestra mente.

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Expediente Warren, The Conjuring: revisitando las casas encantadas

Movimientos de cámara que nos acercan al personaje, movimientos de cámara que nos muestran aquello que se presiente, movimientos de cámara que acompañan al personaje en sus propios movimientos…  Movimientos de cámara que se bastan por sí mismos para crear la intriga. El padre de Saw construye en The Conjuring (Expediente Warren en español) un relato con buen pulso que nos lleva a atravesar todos los estadios de una invasión paranormal en una casa encantada, desde su inicio (ruidos, puertas que se abren o se cierran, luces que se apagan, todo el rosario de poltergeist) hasta la posesión demoníaca, pasando por el miedo y la debilidad que sienten quienes los viven en primera persona. Nada que no hayamos visto antes, pero eso no importa, al fin y al cabo las historias que componen los humanos son casi siempre las mismas, lo que les da valor no es tanto el qué nos cuentan sino el cómo. Y ahí, en los modos de narrar, James Wan aprueba con nota.

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Ed y Lorraine Warren han sido dos de los investigadores de fenómenos paranormales más célebres que han existido, en buena medida por haber intervenido en los sucesos de Amityville especialmente conocidos por los amantes del terror. The Conjuring es la adaptación de otro de los casos en el que los parapsicólogos intervinieron: las aterradoras vivencias de la familia Perron en su granja de Rhode Island. Como reza su argumento:  “Ed y Lorraine Warren, investigadores de renombre en el mundo de los fenómenos paranormales, son llamados por una familia aterrorizada por una presencia oscura en una granja aislada. Obligados a enfrentarse a una poderosa entidad demoníaca, los Warren se encontraron atrapados en el caso más terrorífico de sus vidas… (FILMAFFINITY)”. Un matrimonio y cinco niñas de diferentes edades que darán mucho juego para la creación de alarmas que no siempre acaban en susto (cosa que es de agradecer) en una historia en la que se combinan los tópicos de las películas sobre casas encantadas y las de posesiones demoníacas, exorcismo incluido coincidiendo con el clímax del filme.

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Hechos reales que acontecieron en 1971, la película cuenta con una cuidad ambientación y está perlada de esmeradas interpretaciones. Especial mención merecen Vera Farmiga (los aficionados al fantástico la recordarán por su intervención en Código Fuente) en el papel de Lorraine Warren, y Lily Taylor interpretando a esa madre que adora a su familia y que va a tener que enfrentar al mal dentro de sí. Conjuring James WanPero el auténtico protagonista es el propio James Wan que demuestra que es uno de los grandes nombres en el cine de terror actual. Wan maneja con precisión el ritmo (la acción es un crescendo continuo), la composición de personajes (logra retratarnos su psicología interna) y, sobre todo, la puesta en escena midiendo bien qué muestra y qué sugiere. En este sentido, aunque la cinta no olvida  los sobresaltos (no podían dejar de estar en un filme de casas encantadas) no cae en el exceso y sabe jugar la baza de la sugerencia, esos planos con aire en un lado que no siempre se llenan con la presencia de la aparición y que nos intriga aún más cuando es así dejando a nuestra imaginación completar el resto. En una historia de fantasmas es fácil caer en la tentación de mostrar las apariciones con lujo de detalles y derroche de efectos especiales (cayendo así muchas veces en lo grotesco), James Wan sabe controlar ese impulso y jugar con la insinuación, dejando las visiones para los momentos exactos; es así como logra agarrar al espectador que ve cómo no disminuye su interés a lo largo del metraje. Y es así también como consigue comunicarnos el crisol de sensaciones que podría llegar a despertar un lugar verdaderamente encantado. Alguna risa nerviosa en el pase de prensa hace evidenciar que la cinta alcanza su objetivo, transmite miedo. Y nos hace reflexionar sobre el mismo.

El miedo es nuestra reacción ante la inminencia de un peligro, actúa como alerta que estimula nuestra prudencia y nos hace buscar soluciones que nos eviten salir malparados. Somos hijos del miedo porque los temerosos sobreviven más que los temerarios, sin embargo, el miedo es también un arma de doble filo porque si se perpetúa en nosotros nos vuelve débiles, vulnerables. Paradoja. Entonces, al debilitarnos, si hubiera un ente portador del mal, sería fácil hacernos presas. ¿Contesta The Conjuring sobre la existencia de una fuerza maligna? Dejaremos que el espectador lo descubra.

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Thanatomorphose: la descomposición como poema visual

Zumbaban las moscas sobre este vientre pútrido

del cual salían negros batallones

de larvas que manaban como un líquido espeso

por aquellos vivientes andrajos.

Charles Baudelaire

Si lo bello mana de la armonía de las formas y la proporción de la apariencia, lo sublime surge del desbordamiento y la penetración en la poesía de lo deforme. La ópera prima de Éric Falardeau es un ejemplo de cómo lo sórdido encierra una fuerza capaz de conmovernos estéticamente. La ópera prima del canadiense es sublime.

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La protagonista de Thanatomorphose es una joven escultora cuya vida está tocando fondo. Mantiene una relación sentimental que no la llena, su pareja parece interesarse en ella únicamente como objeto sexual, y está atravesando, además, una crisis creativa en parte porque no obtiene el reconocimiento que merece. Su vida se esta estancando y ella ya no tiene fuerzas para seguir luchando, está al borde de tirar la toalla y se abandona a la renuncia de la sensibilidad. El proceso de disolución de su espíritu va a somatizarse y progresivamente su cuerpo iniciará un proceso de descomposición. Un descenso a los infiernos que no arroja la esperanza redentora del conocimiento sino que la abandona en el más descarnado nihilismo.

Dividida en tres actos, Thanatomorphose se inicia como un drama intimista que retrata la vida vacía de la protagonista mostrándola en el espacio de su apartamento, un auténtico correlato de ella misma. Larga presentación que utiliza jumcuts y transparencias a modo de breves elipsis que no interrumpen su tempo pausado hasta la exasperación: se trata de hacernos empatizar con el personaje en su desesperación.  La primera mitad del primer acto busca sumergirnos en la mente de la joven escultora, en su decepción y su desánimo, quiere desasosegarnos y abocarnos al vacío de alguien que ya está muriendo en vida.Dead Kayden Rose Copyright B Lemire Lo siguiente es llevarnos al fenómeno de mutación y metamorfosis tanática de su cuerpo, desde los primeros moratones hasta la licuación de su carne, hasta hacernos apreciar una angustia existencial que va mucho más allá de la anécdota de su argumento. Y es que lo importante de la cinta del canadiense no reside en su trama, no reside tampoco en su trasfondo más superficial, aquel que nos habla de la deshumanización de las relaciones interpersonales y de la putrefacción de la sociedad contemporánea que nos cosifica. No, no es que el festín de sangre y fluidos se mantenga gracias al intento de hablarnos de nuestras circunstancias accidentales, la película brilla con luz propia porque no escatima recursos  visuales  para mostrarnos lo que sabemos pero negamos en nuestro quehacer diario: somos seres para la muerte y estamos condenados a la descomposición de todo nuestro yo. Es cuando se olvida de su excusa argumental que llega a la esencia. Cuando se abandona al regodeo estético en la corrupción de la carne y la propia imagen se derrite hasta la abstracción, es cuando Thanatomorphose entona sus más excelsas notas.

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Éric Falardeau y Kayden Rose en un momento del rodaje

Éric Falardeau se doctoró con una tesis que habla del sentido de los fluidos corporales en los géneros cinematográficos más extremos, el porno y el gore, puesto en relación con el sentimiento trágico de la vida de Shören Kierkegaard, y ya desde sus cortos ha buscado expresar sus conocimientos ahondando en el terreno de la sordidez. Contra lo que pudiera parecer, el director es un joven inquieto y vitalista que no esconde sus influencias sino que se manifiesta orgulloso de ellas y se muestra entusiasmado cuando el público las reconoce. El filme del canadiense parte de la estela del Polanski de Repulsión para llevarnos más allá hasta el ambiente malsano del mejor Cronenberg y del extremo Buttgereit. No es tanto la nueva carne lo que toma de Cronemberg sino la insania de Inseparables con esa proyección de la desintegración del personaje sobre el mismo espacio que habita. Y el Buttgereit al que se aproxima, más que al de Nekromantik, es al de Der Todesking (El Rey de la Muerte). Pero no hay que detenerse ahí, Falardeau se expresa a través de una fotografía feísta que recurre al desenfoque de la imagen hasta llevarla a alcanzar la abstracción, en una concepción de lo cinematográfico pareja a la del dadaísmo francés.

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Nada mejor que la abstracción para hacernos evidenciar el nihilismo, para hablar de la disgregación que nos espera como destino. Así, el cuerpo de la protagonista no sólo muestra su putrefacción gracias a los efectos de maquillaje (excelentes, por otra parte), más allá de ello se desdibuja en el mismo tratamiento del encuadre, en el trabajo de la fotografía. A Thanatomorphose se le puede dedicar uno de los mayores elogios que puede recibir un filme: tiene su baza principal en la explotación de todas las posibilidades de lo audiovisual. Sin apenas diálogos, todo se compone/descompone ante nuestros ojos en la propia imagen. Dejándonos fascinados ante imágenes duras y muy bien resueltas ofreciéndonos, sin llegar a la vulgaridad,  esfínteres desatados, explosiones de gusanos y olores que casi pueden percibirse desde la pantalla y que nos llevarán, irremediablemente, a un crescendo de moscas que culminará con la total licuación del cuerpo.

thanatonorphose 3Viaje hasta el fin de la noche, Thanatomorphose nos hace asistir a la desesculturización de la mujer que esculpe, cuya obra acaba suspendida en el non finito. Un non finito que, como los de Miguel Ángel, señala la lucha del artista por extraer vida de la materia inerte, pero aquí acaba en la imposibilidad, en la conciencia de que la única forma de escapar de una vida vacua es la muerte. Y la muerte es el fin. Pero ese es el periplo de la protagonista, la película de Falardeau nos salva de ese nihilismo extremo en su propio existir: el canadiense sí es capaz de crear. Y de crear una obra que nos lleva a experimentar al placer estético que, pese a todo, reside en lo más sórdido. El pesimismo se convierte así en vitalismo trágico, en el sentir que la desolación puede quedar suspendida en un futuro. Falardeau no nos deja sumidos en el más hondo escepticismo, al contrario, su obra parece decirnos que el arte es todavía capaz de redimirnos del sinsentido.

Entonces, oh belleza mía,

di a los gusanos que te comerán a besos,

¡que he guardado la forma y la esencia divina

De mis amores descompuestos!

Charles Baudelaire

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Stoker, enigmático thriller familiar

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India es una joven adolescente reservada que contiene dentro de sí un profundo apasionamiento al que sólo ha accedido su padre que a la vez es su mejor amigo. Desafortunadamente en su dieciocho aniversario su padre fallecerá en un accidente automovilístico. La muerte de su padre coincidirá con la irrupción en su vida de su tío Charlie del que hasta entonces no había tenido noticia. La conducta de su tío es extravagante y pronto se producirá la tensión entre su madre y él, pero también India se irá sintiendo atraída por él y en esta relación acabará descubriendo su pasión más allá de donde la había experimentado con su padre en su afición común, la caza.  Cuando se revelen las intenciones de tío Charlie en el último acto de la cinta, India y nosotros con ella descubriremos que les une un mismo impulso hacia una caza que ya no tendrá por presa a animales. Este es a grandes rasgos el argumento de Stoker, la primera película americana de Chan-wook Park, filme que tiene su mejor baza en la puesta en escena pues se trata de una película en la que son los recursos visuales los que van trenzando la historia entroncando así con lo que ocurría con el mago del suspense, Stoker como la mayoría de las películas de Hitchcock se construye en su puesta en escena más allá de lo que pueda aportarle el guión de Wentworth Miller (aunque dicho guión figuró en la blacklist como uno de esos grandes guiones que merecían ser llevados a la pantalla).

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El director de la trilogía de la venganza no esconde sus débitos con el director inglés, no es park-chan-wooksiquiera casual (o en todo caso se trata de una casualidad afortunada) que el extravagante tío se llame Charlie, ese es el nombre de Joseph Cotten en La Sombra de una Duda, con la que Stoker guarda claros paralelismos. Salvo que la película del coreano es aún más perversa y en la revelación de las proximidades entre tío y sobrina no va a ganar, precisamente, el bien. Todo lo contrario es un viaje hacia el fin de la inocencia como reza su propio subtítulo. Sin embargo, al público más avezado no va a ser este giro de guión el que le va a cautivar sino que lo que va a subyugarle son los elaboradísimos movimientos de cámara de Park que consiguen por sí mismos sumergirnos en una atmósfera enigmática e inquietante. Y junto a ellos el trabajo de la fotografía, de su habitual colaborador Chung-honn Chung, perfectamente estudiada para conseguir con variaciones en la iluminación transmitir los estados de ánimo de los personajes. Este propósito era todo un reto si tenemos en cuenta que la película se desarrolla la mayor parte del tiempo dentro del escenario que representa la mansión de los Stoker, el propio Chung lo relata así: “La mayor parte de la historia tiene lugar en la mansión Stoker”, apunta. “Normalmente, construimos un escenario para poder acomodar la casa a las cámaras y a la iluminación. Debido a que la casa Stoker es real, me preocupaba que los ángulos y la iluminación quedaran muy repetitivos. Pero como el espacio era tan limitado, me di cuenta de que podía comprender mejor sus características. Al igual que los actores se ven diferente dependiendo del ángulo de la cámara, yo descubrí que la casa podía parecer triste o llena de esperanza dependiendo de la perspectiva”.

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Esta casi unicidad de escenarios junto con el tratamiento atemporal del tiempo de la acción son dos características destacables del filme que contribuyen a hacerla única en su especie.  La mansión de los Stoker tiene un amplio protagonismo dentro de la historia, ayuda a construir la impresión de encierro en sus circunstancias que viven los personajes, a la par que sirve para pincelar la psicología de los mismos (el contraste entre la habitación de la madre, abigarrada y sinuosa, frente la simetría luminosa de la habitación de India, por ejemplo) e igualmente sirve  como reflejo de las tensiones que pesan sobre sus relaciones, Park veía a Evie (la madre) e India como una reina y una princesa de un cuento de hadas atrapadas en un gran castillo. Por otro lado, aunque la cinta esté ambientada en el presente y en EE. UU, el tratamiento que se le da al tiempo hace que la película cobre esa atemporalidad propia de las fábulas, así Stoker se representa como un cuento perverso y  cruel.

Stoker es un dechado de recursos visuales y técnicos, pero no se puede olvidar el trabajo de sus interpretes. En el papel de India nos encontramos con Mia Wasikowska, joven actriz australiana a la que los espectadores recordarán por su papel en la Alicia de Tim Burton y su trabajo en Jane Eyre de Cary Fukanaga, pese a su juventud es una actriz concienzuda capaz de expresar todas las emociones que el personaje requiere. La actriz asegura que le encantó el proyecto. “El guión de la película es excelente; el director Park y el equipo de creación son brillantes. Es la primera vez que veo una historia como esta. La dinámica entre los personajes esconde un gran misterio. India es una joven muy complicada. Está completamente desconectada del mundo sin su padre. Es una forastera por naturaleza, cerrada al resto del mundo. Aunque todavía es una jovencita, se está convirtiendo en una mujer con sueños y fantasías, pero unos sueños de naturaleza diferente al resto”, afirma la joven.

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Sobre otra australiana recae el rol de Evie, la ya veterana Nicole Kidman. La escalofriante elegancia de Stoker y sus complejas relaciones hicieron que resultara una proposición irresistible para la actriz. “No hay nada corriente en la película”, comenta Kidman. “Tiene una cadencia inusual en el diálogo. El ritmo no es el típico. Me encantó el guión porque cuando lo estaba leyendo, no sabía nunca lo que iba a ocurrir a continuación”. La desesperada y necesitada Evie era un personaje que Kidman no había desempeñado nunca. “La película empieza con el funeral de su marido”, apunta. “Queda patente que la relación madre-hija ya está llena de resentimiento y rabia. Cuando la conocemos, se encuentra en un estado inerte, y Charlie se ocupa de llenar el vacío”.

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El enigmático hombre que se vuelve el centro del conflicto familiar es representado por Matthew Goode, un fichaje británico, conocido por la aclamada película de Tom Ford Un Hombre Soltero, que protagoniza junto al ganador del Oscar Colin Firth, y por Watchmen, en la que hace de Ozymandias, un superhéroe semi-dios griego. “Matthew es muy gracioso”, afirma Wasikowska. “Nuestra relación fuera de las cámaras era completamente opuesta a la que era delante de ellas. Puede llegar a ser muy payaso, por lo que fue un desafío mantenerse centrado cuando trabajaba con él“.

Stoker-Mi-querido-visitante-1El tío Charlie está envuelto en un halo de misterio durante toda la película. Sus intenciones permanecen ocultas hasta casi el final. “La audiencia nunca sabe seguro lo que está pasando por su cabeza”, asegura Park. “Quería muchísimo a su hermano, y ese amor se trasladó luego a su hija India. Alegóricamente, vi al tío Charlie como Juan el Bautista. Es la figura de un mentor que aparece para completar a India. Matthew coincidía con la imagen que tenía en la cabeza –la inocencia, el humor, la travesura–. Tiene la chispa traviesa y la elegante delicadeza de alguien que no haría daño ni a una mosca. Esas son las cualidades perfectas del tío Charlie“.

La película de Park mezcla lo primitivo y lo poético para hablarnos de individuos que viven las emociones intensamente hasta llegar a su intersección con la violencia. Y lo relata en clave de enigma, crea una atmósfera embriagante que nos atrapa como a esa araña que vemos subir por las piernas de India en un plano que se repite varias veces. Bocado exótico que nos deja su regusto siniestro y atractivo mucho después de abandonar la sala. Película para ser vista y archivada en un lugar privilegiado de nuestra memoria.

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Evil Dead 2013: más sangre y menos humor

Cuando los amiguetes Sam Raimi, Bruce Campbell y Robert Tapert, tras rodar varios cortos, se emperraron en sacar adelante su Book of the Dead (previamente  convertido en 1978 en un corto de 30 minutos, Within the Woods,  que sirvió como muestra para conseguir financiación) seguro que no sabían hasta donde podría llegar su alocada aventura. De una forma u otra Book of the Dead se convirtió en 1982 en Posesión infernal (Evil Dead), una película rodada en 16 mm. que mezclaba en principio un cóctel nada original: adolescentes, posesiones demoníacas, sangre y mucho speed. Pero no era así, ya que contaba con un añadido que la hacía (y hace) más atractiva: grandes dosis de comedia hasta el punto de transformar a su protagonista, Bruce Campbell en un personaje de dibujos animados. Y todo ello, no hay que olvidarlo, sin dejar de ser un atmosférico y terrorífico film.

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Posesión infernal triunfó en los video-clubs de medio mundo y posibilitó que Raimi pasara a la primera división de su profesión. Esa bienvenida incluyó que rodara una secuela de su film, naciendo Evil Dead 2 (Terroríficamente muertos, 1987) que no  resultó ser finalmente una secuela sino un remake con todas las de la ley, aunque más loco si cabe, con más medios y mejores resultados en los maquillajes y efectos especiales (cosa en la que tuvieron mucho que ver la santa trinidad Berger, Kurtzman y Nicotero). Ese primer remake daría pie a (ahora sí) una secuela, El ejército de las tinieblas (Army of Darkness, 1993).

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No acaba ahí la historia, en mayo del 2012 se iniciaba el rodaje de un nuevo remake, el que este viernes llega a nuestras pantallas. Esta vez Raimi no está al frente de la dirección, el equipo inicial (Raimi, Tapert y Campbell) ha preferido ocuparse únicamente de la producción y dar la alternativa al joven debutante Fede Álvarez, del que ya os hablamos en este blog. El propio Fede Álvarez, junto a Rodo Sayagues (colaborador suyo desde los tiempos de Ataque de Pánico, corto con el que se dieron a conocer) se ha ocupado de adaptar el guión, así que nos ofrece una relectura personal de la obra de Raimi. Rodada en Nueva Zelanda, algo habitual en Raimi, el reparto de esta nueva Posesión Infernal está compuesto por eficientes actores jóvenes: Jane Levy (Mia), Shiloh Fernández (David), Lou Taylor Pucci (Eric), Jessica Lucas (Olivia) actriz ya conocida para los productores por Drag me to hell (2009) y Elizabeth Blackmore (Natalie). Protagonismo tienen también los 25.000 litros de sangre artificial que han sido necesarios para el filme, muuuuuucha hemoglobina, pues, es la que nos ofrece esta nueva versión.

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Esta Posesión Infernal de 2013 no es una mera repetición sino toda una reinterpretación del tópico de la cabaña en el bosque parodiado en la de 1981 (en puridad más que un remake es un reboot). Sin renunciar a los elementos fundamentales (la cabaña, el libro de los muertos o Necronomicón) Álvarez ha pretendido dotar a los personajes de una mayor profundidad psicológica, ya no son unos jóvenes cuasiadolescentes que van al bosque en busca de experiencias etílicofestivas sino un grupo de amigos que se han reunido para ayudar a Mia, la protagonista, a desengancharse de la droga (en el extremo opuesto, pues). Hay también drama familiar, el hermano de Mia es uno de los integrantes del grupo, cosa que supone un reencuentro entre ambos después de que él la hubiese dejado pasar sola el trance de la muerte de la madre en un centro psiquiátrico. No hay que esperar un análisis exhaustivo de los recovecos de las relaciones, sólo un esbozo que sirve al fin de explicar el porqué de sus conductas cuando se haga manifiesta la presencia (así, por ejemplo, la primera en tener evidencias de la fuerza que les acosa será Mia y los demás creerán que son causadas por su síndrome de abstinencia). Ocurre que este mayor naturalismo de los personajes no se ha dado sin eliminar esa comicidad cartoonesca que tenía la original y que, en nuestra modesta opinión es lo que la hacía especial. En la película de Ávarez no hay apenas lugar para el humor, todo está tratado con seriedad, y a nosotros se nos antoja que eso supone una pérdida del remake frente a la original. Podemos decir que, al tratar de darle alma a los personajes, es la película la que se ha quedado huérfana de ella. Esto no significa que a nuestro juicio sea una mala película, simplemente opinamos  que el remake no consigue superar al original.

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Así pues, aún sin tener el carisma que identificaba a la saga Evil Dead, la Posesión Infernal de Álvarez cautivará a los aficionados al género. A los conocedores de las de Raimi porque está repleta de guiños a elementos del  guión que las caracterizaban. Ahí están esos bellos travellings subjetivos desde el punto de vista de la presencia atravesando al bosque; la violación en el bosque y por el bosque; la amputación de la mano; y, cómo no, la motosierra. Pero creemos que sobre todo gustará a los más jóvenes que quizás ni siquiera hayan conocido sus precedentes, por su factura, su ritmo trepidante por momentos y esos miles de litros de sangre y gore bien entendido. Tanto los iniciados como los neófitos agradecerán que no se haya abusado de la imagen digital, al contrario Álvarez se ha inclinado por conseguir los efectos con la cámara siempre que le ha sido posible y dejar a los de maquillaje hacer el resto. Y mención de honor merecen estos últimos junto a la banda sonora del español Roque Baños. En suma, puede decirse que Fede Álvarez no defrauda las esperanzas depositadas en él.

La pregunta del millón sería responder a si era necesario este remake (o reboot) tratándose como se trata de una película de correcta ejecución. Para quien esto escribe no se trata de una revisión que aporte ingredientes relevantes al original, como sí podía darse en el Maniac de, ni sirve para darle mayor actualidad (después de todo la original sigue igual de vigente que en su presente), de modo que no podemos considerarlo como necesario. Ahora bien, la buena factura del filme evita que se le pueda tildar de prescindible y, sobre todo, muestra las dotes de su joven director, más elogiable él que su propia ópera prima. Deseamos ver pronto a Fede Álvarez al frente de una obra personal que no se deba ya a ningún trabajo previo.

Fede Álvarez en el rodaje de Posesión Infernal

Fede Álvarez en el rodaje de Posesión Infernal

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Serie B: Richard Vogue vuelve cargado de sangre, acción, sexo y comedia

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SOBRE RICHARD VOGUE

untitledSerie B es una sana gamberrada que lo único que pretende es hacer pasar un buen rato al espectador, algo nada fácil no se crean, y que se agradece en estos a veces pretenciosos tiempos. Excesiva, sexy y sangrienta, uno adivina que su director y guionista, el nunca suficientemente ponderado Ricard Reguant,  se lo pasó bomba imaginándola y dirigiéndola.

Y es que Serie B representa el retorno a la pantalla como director de Richard Vogue, alter ego de Ricard Reguant. Un niño grande de sonrisa contagiosa y conversación inagotable repleta de anécdotas. Es una de esas personas que uno escogería para tomarse unas cañas en esos cuestionarios que alguna vez hacen los periódicos y en los que indefectiblemente salen escogidos tipos tan interesantes como futbolistas, modelos o competidores de Formula-1.

Polifacético hombre-orquesta de extensa carrera en musicales, obras de teatro y trabajos para televisión, Reguant se inicia en el cine como meritorio de Iquino, dura escuela donde las haya,  con el que hace de casi todo hasta que se decide a dirigir, naciendo en ese momento Richard Vogue, pseudómino con el se adentra en el cine erótico clasificado “S”: Yo venia del mundo de la interpretación en teatro y en televisión, y como seguía trabajando en los escenarios prefería no mezclar cosas… sobretodo si pensamos que hacer películas “S” estaba muy mal visto para la profesión intelectual del momento, aunque gracias a estas películas durante años se mantuvo la industria en España y estos intelectuales podían rodar sus películas, más minoritarias”.

Richard Vogue dirige algunos  títulos como Sueca bisexual necesita semental (1982) o No me toques el pito que me irrito (1983), comedias sexys y alocadas como indican sus nombres, dentro de  un género cinematográfico que tuvo su momento como los spaghetti-western, los pseudo-Bonds o las de terror”. De rápido rodaje, poco presupuesto y alta rentabilidad, no en vano Sueca bisexual necesita semental fue la película más vista el año que se estrenó”.

Ricard  es un veterano que ha llegado a trabajar en más de 60 producciones desempeñando diversas tareas como ayudante, guionista o director.

Pero Serie B no es solamente un film erotico (aunque tiene sus gotas), es una mezcla de terror, película de acción con venganza y sobre todo comedia, aunque de forma soterrada y casi irónica. Reguant ya había tocado el género de terror, habiendo dirigido al mismo Paul Naschy para un capítulo de la serie televisiva Desenlace (2001, Ricard Reguant y Tito Álvarez), pero Antena 3 la emitió incompleta y a altas horas de la madrugada, una de esas decisiones contradictorias que, lamentablemente, son tan habituales.

COMO NACE SERIE B

FINAL“Un día un amigo mío me invito a su casa en los Pirineos. Era una autentica mansión, enorme, fantástica. Pasamos la noche de cháchara, divirtiéndonos imaginando cosas que podían ocurrir en aquel sitio. La casa estaba en medio de la nada a kilómetros del primer pueblo. Solitaria. Así que se me ocurrió una historia que podría ocurrir allí. Mi amigo, entusiasmado con lo que le contaba, me sugirió de hacer un filme. Yo le dije que aquel tipo de historias pertenecían a las llamadas películas de SERIE B, o lo que es lo mismo, películas de bajo presupuesto, de género (terror, ciencia ficción, westerns…), que servían de relleno a los grandes estrenos, naturalmente en la época en la que los cines hacían dobles sesiones.

En algunas ocasiones los filmes de SERIE B, eran mas interesantes y divertidos que los que se suponían eran los estrenos buenos, de clase A.

Con el tiempo estas peliculitas de SERIE B, se fueron convirtiendo en objeto de culto, y grandes directores actuales les hacían un sentido homenaje, como Quentin Tarantino por ejemplo. Claro que sus películas tenían presupuestos de Clase A. Muchos directores famosos se iniciaron en aquellas películas pequeñas de poca producción (casi siempre con la marca de ROGER CORMAN, el rey de las Series B): James Cameron, Martin Scorsese, Jonathan Demne e incluso Steven Spielberg. Pero estamos hablando de EEUU donde una película de poco presupuesto equivalía a dos nuestras de Gran Presupuesto. Luego aparecieron artistas que intentaron crear una industria de SERIE B en nuestro país. Paul Naschy, Jesús Franco son las cabezas más visibles de aquel intento… Pero los intelectuales, que todo lo fastidian, vinieron a aguar la fiesta y decidieron que el cine tenía que ser serio… Y lentamente estas pequeñas joyas (quizás no era buenas películas pero cumplían su doble cometido: distraer y mantener la industria), fueron desapareciendo de las pantallas y se convirtieron en piezas rebuscadísimas en los estantes de los vídeo-clubs de todo el mundo.

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Animado por mi amigo recogí el reto y escribí el guión. Lo pasé a dos compañeros de profesión Jesús Liedo y Toni Badimon. Estos se animaron y nos vimos con mi amigo, que estaba dispuesto a convertirse en productor.

Hemos tirado adelante el proyecto y después de pensar en muchos títulos nos hemos quedado con el más lógico: SERIE B. Ya que el film es sobre todo un homenaje a aquellas películas sencillas, hechas con más pasión que dinero y con más imaginación que medios, que tanto nos sorprendieron y divirtieron en sus días. Si conseguimos algo parecido estaremos más que satisfechos.

Mi “alter ego” RICHARD VOGUE reclama ser el artífice de este “retorno” a las andadas. Y, naturalmente ante un “autor” que parió títulos como “NO ME TOQUES EL PITO QUE ME IRRITO” o “SUECA BISEXUAL NECESITA SEMENTAL”, no podía negarme”.

Serie B es la primera película producida por  Olwyn films, productora fundada en 2011 por Jesús Liedo y Ricard Reguant y el film, con un presupuesto estimado de 1,6 millones de euros, es la primera producción de la compañía, que nace con vocación de producir películas españolas de género con proyección internacional.

LOS ACTORES

zarzoEn Serie B destaca sin duda el protagonista, Manuel Zarzo, todo un veterano de 85 años que debuta en 1951 y en cincuenta años de profesión llega a participar en más de 145 títulos de todo género (spaghetti western, comedia…), además de en televisión. Es un rostro familiar para el cinéfilo que sin duda da cachet al film. Aunque se barajaron otros nombre para el papel, como Omar Sharif y Helmut Berger, finalmente Reguant vio más acertado contar con su amigo Zarzo, que realmente borda el papel de Willie Molina (¿homenaje a Jacinto Molina?).

Roger Pera es un consolidado actor todoterreno que tanto hemos podido disfrutar en comedia como en otro tipo de registros, como es el caso de Serie B, donde interpreta a un bastardo de gatillo fácil.

Pero también juegan un papel (y muy interesante), las actrices del film: Sonia Monroy (sí, esa Sonia Monroy que les viene a la cabeza), hace el tipo de papel que les gustará ver: lo pasa muy, muy mal. Sangra mucho durante el film y… nos muestra sus poderosos encantos. Al igual que las demás intérpretes, la bella Marta Simonet y Cata Munar, actrices ambas de extensa formación.

Sin olvidar ¿Cómo hacerlo? a Nuria de Córdoba, que borda su enigmático papel con nutritivo final sorpresa…

martaTambién intervienen Jaume Fuster y Eva Losada.

El nuevo milenio nos traido de vuelta a Richard Vogue y ¿era necesario? Pensamos que sí tras ver Serie B y agradecer un poco de locura, despiporre, sexo, sangre y sobre todo entretenimiento bien realizado. Tanto que a veces uno tiene la tentación de pensar la película está hecha en serio… pero nada más lejos de la realidad, ya que lo que Reguant (o debo decir Vogue)  propone es una película excesiva y con toques surrealista con la que pasar un rato loco.  Y pensamos que lo consigue.

Bajo presupuesto, mucha imaginación, sangre (sin abusar de casquería), sexo (sin llegar a ser explícito) y un único escenario: Serie B

Proyectada en la última edición de la Semana de cine fantástico y de terror de San Sebastián con éxito por parte del público (no tanto de crítica, ya que parece no todos supieron ver el juego que pretende el film), llega el 19 de abril a las pantallas así que, si quieren ver como hacen callar a Sonia Monroy (además de hacerle pasar por otras lindezas no menos dolorosas), les recomendamos que entren en el juego de Serie B.

SINOPSIS

Willie Molina (Manuel Zarzo) es un actor ya retirado que ha pasado parte de su vida en Hollywood interpretando películas de SERIE B. Su mayor hobbie es la caza, y mientras esta en el monte dispara sin querer contra unas chicas que estaban caminando entre los arbustos, Lidia y Mabel (Sonia Monroy y Marta Simonet), hiriendo a una de ellas. La herida es superficial, pero Willie las invita a pasar el día en su finca. Al llegar a la mansión, las chicas descubren que están ante un hombre muy rico. En realidad, las jóvenes ejercen de gancho en la carretera a hombres ingenuos a los que desvalijan valiéndose de sus encantos. Su protector, Robín (Roger Pera), llega a la casa junto a Katy (Cata Munar), una nueva chica. Acorralan al viejo actor amordazándole y golpeándole. Las cosas se ponen feas para el hombre. Aunque mientras los demás se distraen curioseando por la casa, Willie consigue liberarse… y entonces empieza una cacería llena de sorpresas en donde no se llega a saber hasta el final quien es más malvado de todos ellos.

Más información en: www.seriebfilm.es y http://www.facebook.com/SerieBfilm

Y más detalles sobre la carrera de Ricard Reguant (y por ende Richard Vogue) en la entrevista que publicamos en este mismo blog.

Hellboy, una reflexión sobre las esencias de lo humano

21 marzo 2013 1 comentario

Hace unos días Fernando Trueba era noticia, y no por su cine, sino por sus poco afortunadas opiniones sobre el mundo del cine de acción y de superhéroes. Trueba los califica de imbecilidad, que es tanto como calificarlos de producto para necios y alelados. Su comentario deja a las claras, no la debilidad de ese cine al que se refiere (ni la necedad de sus aficionados), sino de su propio desconocimiento de todo lo que supone el mundo de los superhéroes. Esa literatura es en verdad la transposición de los mitemas clásicos a la cultura pop y, igual que los mitos, sirven como vehículo metafórico de grandes temas atemporales. Vamos a ejemplificarlo con Hellboy llevado al cine por Guillermo del Toro en 2004.

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Empecemos con el argumento: finales de la segunda Guerra mundial, las fuerzas ocultistas nazis (Sociedad Thule) llevan a cabo el experimento Ragnarök (fin del mundo nórdico), invocación del mal que lleva a cabo el mismísimo Rasputín. Fruto del experimento nace una pequeña criatura roja, con cuernos, cola y una mano de piedra , criatura que fue rescatada por los soldados aliados y educada por los estadounidenses. Ingresó posteriormente en la Unidad de Defensa e Investigación Paranormal (en inglés B.P.R.D.). Héroe solitario, Hellboy (la criatura), se tendrá que enfrentar a su propia naturaleza y decidir entre el bien y el mal.

En 1994 nacía Hellboy de la mano de Mike Mignola presentado en una secuencia de cómics mini-serie publicada por Dark Horse Comics. Un superhéroe solitario en cuya construcción se notan las influencias de diversas mitologías, desde la nórdica a la ideada por Lovecraft. Diez años más tarde Guillermo del Toro lo llevaba al cine, haciendo suya la imagenería del cómic. Del Toro recrea el universo de Hellboy con su propia visión de lo gótico y nos ofrece una película vibrante de bella factura en la que la tensión dramática va en aumento hasta el brillante duelo final con un monstruo infernal claramente inspirado en los relatos lovecraftianos.

Hellboy 1

Si los episodios de enfrentamiento con los villanos  se secuencian adecuadamente y mantienen al espectador aferrado a su cubo de palomitas (cosa que no impide descubrir a Santiago Segura haciendo un cameo), no están menos perfilados los resortes más profundos de la trama. Hellboy nos recuerda a héroes como Harry Callahan, independientes e irónicos, quienes, sin embargo, bajo su corteza de hombres duros esconden una fuente inagotable de ternura. Hellboy está enamorado de su compañera del B.P.R.D. Liz Sherman, piroquinética con habilidad de explotar en fuego, aunque no encuentra la manera de hacérselo saber; y a la vez profesa un intenso afecto filial por el Profesor Bruttenholm , su “padre” adoptivo. Otros se quedarán con las secuencias en las que los efectos especiales se despliegan magistralmente, pero nosotros queremos destacar las dos escenas en las que se nos muestra el aspecto más humano de Hellboy. La primera una ronda nocturna en la que Hellboy espía a Liz desde la azotea de un edificio en compañía de un niño, tanto del Toro como Ron Perlman son capaces de mostrar el lado melancólico del héroe. Melancolía que llenará la pantalla de lluvia (¿cuántas veces la lluvia ha sido metáfora del llanto en el cine?) en la escena del entierro del “padre”, con un plano cenital sobre los paraguas abiertos que nos funde a la subjetividad de Hellboy siendo uno de los momentos más brillantes del film.

hellboy 2

Y es que antes de Nolan ya se había penetrado en los aspectos más profundos de los superhéroes de cómic. El Hellboy de del Toro ofrece al espectador una reflexión sobre las esencias de lo humano. Lo que nos define no es nuestra procedencia, ni las peculiaridades que pueden hacernos resultar extravagantes a ojos de los demás, nuestro ser más íntimo viene definido por nuestra capacidad de tomar decisiones: sea cuál sea nuestro origen siempre tenemos la opción de elegir entre el bien y el mal con todo el dramatismo que ello conlleva. Ese es el destino de y la enseñanza que nos deja Hellboy.

Director: Guillermo del Toro. Guión: Guillermo del Toro y Peter Briggs basados en las historias de Mike Mignola. Música: Marco Beltrami.

Reparto: Ron Perlman, John Hurt, Selma Blair, Rupert Evans, Karel Roden, Jeffrey Tambor, Doug Jones, Brian Steele, Ladislay Beran, Biddy Hobson, Corey Johnson, Kevin Trainor, Brian Caspe, James Babson.

Categorías:Cómic, Cine Club

7 psicópatas: la (de)construcción de un guión

14 febrero 2013 Deja un comentario

Si quieren disfrutar plenamente de la película, dejen de leer en este punto. Y no porque vayamos a hacerle una crítica negativa, todo lo contrario, pero es que 7 psicópatas (Martin McDonagh) es de esas películas que se gozan todavía más cuando acudimos a verlas como tábula rasa, desde la virginidad que da no tener datos previos.

7 psicópatas

¿Qué decir del argumento? Si acudimos a Google, además de encontrar la habitual proliferación 7 sicópatas cartelde resúmenes idénticos, y de sospechar que algunos han escrito sin haber visto el filme, descubriremos que pretender resumir la trama es harto difícil. Nos encontramos por un lado con Marty (Colin Farrell), un guionista que no acaba de encontrar la inspiración para escribir un guión titulado, precisamente, 7 psicópatas. Por otro lado, está Billy (Sam Rockwell) su mejor amigo, actor en paro que se gana la vida secuestrando perros junto a su socio Hans (Christopher Walken).  Billy está empeñado en ayudarle a toda costa a terminar ese guión. Todo va a complicarse cuando secuestren a Bonny, el perro de un mafioso sin escrúpulos que idolatra a su mascota (Woody Harrelson). Pero este bosquejo no le hace plena justicia porque lo que distingue al argumento de 7 psicópatas es cómo se va construyendo mientras se va desarrollando el guión de Marty, en un ejercicio de metareferencialidad que es casi un enlace de Möebius.

7 psicopatas-16El arranque del último trabajo de Martin McDonagh (Perdidos en Brujas) se ampara bajo la estela de Tarantino, ya saben esos largos y exóticos diálogos entre matones (salvo que esta vez no es una hamburguesa sino la muerte por penetración en el globo ocular) que culmina en un acto de violencia extrema y pulp. Desde su inicio, pues, declara su intención de adentrarnos en el mundo de la comedia de acción con un humor radicalmente negro, propio de la raíz irlandesa del director. Delirio será la palabra que se instalará en nuestra mente porque hay mucho de ello en este ejercicio de cine dentro del cine que se va a caracterizar por los constantes giros de guión expuestos desde la ironía en su sentido propio, esa actitud de distanciamiento de la obra que nos permite mostrar su anverso y su reverso.  En ella tienen cabida los gangsters enamorados de sus mascotas; los psicópatas que crían conejos blancos y se pasean con uno bajo el brazo; el actor metido a dar carne real al asesino-personaje para que el guionista encuentre material para su trabajo en la prensa; los anuncios por palabras; los efectos del peyote; los polacos, tan blancos, que son cuáqueros y se casan con negras; la inquietud por el más allá; las prostitutas que leen a Chomsky; y la necesidad de los sueños. Y lo vamos viendo surgir desde el guión que se escribe en la película, que bien podría ser el guión de la propia película.

7 psicópatas perro

Prostitutas que leen a Chomsky es la broma con la que se denuncia el escaso papel que tienen las mujeres en el cine de acción, en muchas de ellas son meros elementos decorativos en apariciones fugaces y sin peso en el desarrollo del filme. Así 7 psicópatas se burla de sí misma a la vez que es crítica con todo un género, a la vez que denuncia deficiencias de una sociedad como la nuestra, menos igualitaria de lo que desearía, a la vez que se cuestiona la razón de escribir historias, a la vez que va más allá y se plantea (nos hace plantearnos) qué sentido nos espera a nosotros mismos en nuestras vidas, la gran pregunta por el sentido a secas, si se quiere. Caja china o muñeca rusa, la película juega a muchos niveles, pero si funciona es porque parece no tomarse en serio a sí misma, es un juego de ingenio que puede decaer en algún momento pero que se rehace en su apelación continúa al absurdo, en su juego con el dentro y el afuera de la historia.

La película funciona también gracias al acertado trabajo de todo su elenco. Colin Farrell, que 7 psicópatas mafiosorepite con el director, construye con efectividad su personaje, ese alcoholizado escritor que persigue una idea y se enreda vitalmente en ella.  “De cuando en cuando, las palabras le van a la perfección a un actor. Es el caso de este guión.Te ofrece un remojo, un puntapié en las nalgas y un paseo inolvidable. Entonces, sin ninguna duda, no puedes rechazarlo”, se entusiasma el intérprete irlandés. El mismo entusiasmo por los diálogos de McDonagh muestra Cristopher Walken:  “Usted sabe, que los actores adoran los diálogos cincelados, y Martin escribe diálogos formidables”; por su parte Walken encarna el más tierno de los personajes, paradójicamente tierno dado que descubriremos que él es uno de los siete psicópatas,  “Es solo un tipo que roba perros y que los devuelve a cambio de una recompensa”, explica sobriamente el actor. Representante de la fe y sus dudas, la interpretación del veterano actor es posiblemente la más matizada. Encarnando a Billy nos encontramos con Sam Rockwell (a quien recordarán por su papel protagonista en Moon de Duncan Jones) muy convincente en su rol, esa réplica del guionista que nos recuerda al Chazz Palmintieri de Balas sobre Broadway (Bullets Over Broadway, 1994, Woody Allen). Cerrando el reparto de actores principales tenemos a Woody Harrelson dando cuerpo al mafioso adorador de su perro Bonny, a él debemos algunos de los episodios más hilarantes del filme.

Seven

Pero, obviamente, si 7 psicópatas resulta ser la película que es, es por la impronta indeleble que imprime en ella Martin McDonagh. McDonagh inició su carrera en el teatro especializándose en comedias negrísimas en las que ya se encuentra presente su universo abigarrado. Su salto al cine no pudo haber sido dado con mejor pie, su primera incursión fue el cortometraje Six Shooter y con él obtuvo el Óscar de 2005 en esa categoría, (puede verse completo en este enlace). Su debut en el terreno del largo vino con Escondidos en Brujas (In Bruges, )que quienes la hayan visto la recordarán también por su barroquismo (visual y formal) y su humor delirante (marciano, en coloquial), características que se encuentran presentes en esta su última obra hasta el momento. 7 psicópatas resulta difícil de calificar, es comedia, pero también película de acción, cine dentro del cine y hasta cierto punto es incluso fantástica (no en vano pudo verse en el último Sitges); habrá quienes resuelvan optar por resumirlo incluyéndola dentro de esa categoría difusa cine de autor.

McDonagh-blog

Cine de autor, curiosamente Serendipia (que no había leído nada sobre la película y no sabía qué iba a ver) discutía entre sí sobre qué significa justo eso, cine de autor, y lo  primero que asoció a tal denominación fue la de todo tipo de filmes extravagantes y plúmbeos (sobre todo cuando se dice así, en francés, auteur). Se podría considerar que denominamos así a toda producción que se presente como ajena a cualquier género (y de hecho en ese sentido se oye aplicar el término), pero eso sería una memez porque, ¿ acaso Ford, Hitchcock, o Wilder (por mencionar sólo algunos) no imprimían inconfundibles rasgos de autoría en sus películas por mucho que la práctica totalidad pusiera adscribirse a algún género (y en su pureza, además)? Digamos que sólo aceptamos pulpo como animal de compañía si por cine de autor se entiende aquellas obras que con sólo empezar a verlas ya sabemos quién está tras su dirección aunque lo desconociéramos antes de entrar. Si es así, sí, aceptamos que 7 psicópatas es también cine de autor.

Categorizaciones al margen, de lo que no nos cabe duda es de que quienes vean esta cinta la recordarán (algunos para odiarla) porque es un producto que se aparta de la media, tiene vida propia, ése alma que es tan difícil que posean las películas. Quien esto escribe intuye que 7 psicópatas estará entre sus diez películas favoritas vistas en este  año que acaba en 13. Y si no, al tiempo.

Hemos hablado con Pablo Maqueda fundador de #littlesecretfilm

13 febrero 2013 Deja un comentario

Manic LeraDIE, LERA, DIE, DIE, DIE!!!! Esta frase nos sigue resonando muy adentro, mucho después de ver Manic Pixie Dream Girl. Se nos antoja un resumen de los males que lacran las bondades de la red de redes. Pablo Maqueda, su director, reflexiona sobre ello en un filme que repasa el mundo de los vbloggers y nos hace pensar sobre cómo puede llegar a afectar el cíberacoso, los trolls, los fakes, la creación esquizoide de multipersonalidades… todo ello para plantearnos una pregunta que seguro nos hemos hecho en alguna ocasión: ¿Seríamos más felices sin Internet?

Manic Pixie Dream Girl se adscribe al proyecto #littlesecretfilms del que el propio Maqueda es fundador. Se trata de un filme valiente que apuesta por una puesta en escena arriesgada en la que nos vamos a encontrar ante una sucesión de planos fijos en los que Rocío León (Diamond Flash) da cuerpo a diferentes Vloggers y su ídolo Roma Rises (una cantante pop que se ha labrado su éxito gracias a la red). Imagen fija y mucho diálogo, apriori podría hacernos pensar que nos va a dar como resultado una película falta de ritmo y de tensión dramática, muy al contrario, pues, este repaso de la red, sus posibilidades (proporcionarnos nuestro warholiano cuarto de hora de fama) y sus defectos, es un filme vibrante que construye una metáfora que nos engulle.

Hemos tenido la oportunidad de hablar con Pablo Maqueda, así que, ¿qué mejor que escuchar sus palabras para saber más sobre su película y todo lo que envuelve a #littlesecretfilm

Después de ver Manic Pixie Dream Girl, la primera pregunta viene impuesta: ¿Seríamos más felices sin Internet?

¿Lo seríamos? Yo sinceramente, no. Las redes sociales, la prensa online y la comunicación instantánea forman parte de mí. No me imagino la vida sin ellas. Sin embargo, plantear a través de la ficción un breve pero intenso cuento alrededor de ello era algo que me obsesionaba desde hacía ya mucho tiempo.

Pero seamos ordenados. En primer lugar hablanos de ti:

Manic Pablo

¿Cuándo nace tu vocación por el cine? ¿Qué cineastas te inspiraron?

Muy temprano. Como espectador ni lo no recuerdo, la verdad. El cine siempre ha formado parte de mí. A través del engaño que articulaba mediante la planificación fue cuan. Como realizador sería a los doce años al descubrir Psicosis de Alfred Hitchcock A través del engaño que articulaba mediante la planificación fue cuando comencé a descubrir lo que conseguía un director de cine. Emocionar, engañar, divertir, asustar a espectadores de todo tipo mediante la fuerza de una imagen y un sonido. Poco a poco, año tras año, realizadores como Woody Allen, Stanley Kubrick, Jaime Rosales, Michael Haneke, Pedro Almodóvar o Wes Anderson han ido modelando mi visión cinematográfica. Soy muy referencial cuando escribo y desarrollo cine, me encanta permearme de la mayor cantidad de referencias, copiar mucho para luego adaptar toda esa cantidad de referencias estéticas visuales y sonoras a mis propias obras con una entidad propia que permita disfrutar al espectador.

Ibas a debutar con un corto, pero se convirtió en largo (Billy Freud´s Last Night ( Todo en una semana, 2005) ¿cómo fue el proceso?

billyySí, la productora nos animó a desarollar la idea como un largometraje. Tenía veinte años en aquel momento junto a Pedro Román, dirijimos la película juntos e hicimos un homenaje al cine de instituto americano, que tanto disfrute nos había dado y continúa dándonos. Es aún uno de mis géneros favoritos. Fue un gran aprendizaje realizar una película tan colectiva, con un reparto coral de 20 personas, casi 70 personas de equipo técnico. Una gran experiencia dirigir comedia, es un placer siempre el plantearte cómo hacer reír. Un reto constante.

Pronto te interesas por Internet como ámbito de expresión. Con All the Women te embarcas en un proyecto de 366 días online. ¿Cómo fue esa experiencia? ¿Qué repercusión tuvo?

womanhAll the women es un largometraje documental homenaje a la mujer del siglo XXI que camina por las calles de las grandes ciudades del planeta. El proyecto nace de un reto. Registrar una premisa tan ambiciosa y con tantos viajes alrededor del mundo (Londres, Madrid, Nueva York, Paris y Tokyo) en la más absoluta intimidad. Vivir el proceso de producción y posproducción de una manera más personal, ser el único miembro del equipo técnico. Productor, realizador, editor y distribuidor. Crear un nuevo formato de distribución en internet, que denominé “Film experience” distribuyendo la película exclusivamente en internet a modo de experiencia cinematográfica diaria. Un largometraje compuesto por 366 videos, distribuidos día a día a lo largo del año 2012. El largometraje no pudo tener mejor repercusión online: 24.000 plays, centenares de tweets, referencias en pequeños blogs, reportajes sobre el nuevo formato en medios nacionales e internacionales como The New York Times, Indiewire, El Pais, Fotogramas, Antena 3 TV o Radio Nacional de España. Con el estreno exclusivo online de All the women intenté plantar la semilla de lo que en #littlesecretfilm acabaría germinando. Dignificar internet como ventana de distribución cinematográfica. Podéis disfrutar el largometraje completo a través de su web  www.allthewomenfilm.com y su canal de Vimeo.

En 2009 entras a formar parte de la industria trabajando para Avalon ¿Cómo fue ese trabajo? ¿Cómo se percibe Internet desde la industria?

Tres años muy intensos de aprendizaje como coordinador de contenidos extras de DVD/Bluray, así como coordinador de materiales de la distribuidora.  He aprendido mucho sobre cómo plantear un proyecto y su preproducción pensando en su difusión, comunicación y distribución. Lo vital que es plantear la producción de un largometraje teniendo en cuenta previamente su estretegia de distribución. Lo bueno y malo de Internet es que aún se trata de un campo vírgen para la producción y distribución cinematográfica. Aún debemos de aprender sobre cómo monetizar nuestros proyectos en internet. A día de hoy los modelos de negocio cinematográficos se encuentran en las vías más tradicionales.

littlesecretfilm

2013 llegamos a #littlesecretfilm ¿Cómo se gesta la idea? ¿Redactas tú el manifiesto o tienes colaboraciones?

Al igual que All the women, cuando pienso en un nuevo proyecto siempre parto de retarme a mí mismo como realizador e intentar abrir nuevos caminos. Ponérmelo difícil desarrollando pequeños ejercicios de innovación. Quiero seguir aprendiendo, replantear lo hecho hasta ahora, y fallar, fallar y fallar para corregir errores. De ahí el reto de #Littlesecretfilm como un modelo de producción basado en el riesgo, el azar y las ganas de hacer cine. Nace como un experimento de cara a improvisar con las actrices de mi nuevo largometraje Viva la Sangre, pero poco a poco comienzo a pensar en ello como un juego a plantear a mis amigos y red de contactos del audiovisual. Redacto el manifiesto y comparto el proyecto en secreto durante varios meses. La entrada posterior de la productora de Manic Pixie Dream Girl, Haizea G. Viana a codirigir #littlesecretfilm y gestionar la comunicación de la iniciativa hizo todo muy fácil. Me encuentro muy cómodo trabajando junto a ella desarrollando proyectos creativos. La respuesta fue muy positiva, estoy muy agradecido a todos los profesionales que han apoyado generosamente la idea realizando tantas películas para el disfrute de los espectadores.

#littlesecretfilm no pretende ser una escuela ni un movimiento, ¿Cómo lo definirías entonces?

Como un modelo aplicable para producir y estrenar cine. Unas reglas para jugar haciendo cine y estrenar gratis un lagometraje en internet. Lo definiría como un regalo a los espectadores, un acto de amor al cine.

Manic 2

En el manifiesto no se excluye ningún tipo de estética, pero sí restricciones sobre la producción y el rodaje, ¿esas restricciones funcionan como la contrainte oulipiana? ¿Crees que incentiva la creación? ¿De qué modo?

El manifiesto únicamente propone restricciones en cuanto a la producción y distribución de la película. Imponer criterios estéticos o temáticos habría sido un error, no beneficiaría la creación. Esperamos que se unan muchos creadores a la iniciativa y disfruten de la experiencia. No conocía el movimiento Oulipo hasta que Jordi Costa me habló de él en uno de sus primeros emails confirmando su participación en #littlesecretfilm. Sí. Las restricciones y el riesgo como estímulo para que la ficción seduzca e impacte han sido el principal objetivo. Ofrecer al espectador el riesgo de sentir a un equipo de profesionales contra las cuerdas para realizar el mejor largometraje en el menor tiempo posible.

Una de las condiciones es que el trabajo de preproducción se lleve en secreto, sin poder acudir a las redes sociales para su promoción. ¿Cuál es la finalidad?

Una imposición más romántica que formal. En un tiempo en que se sabe tanto sobre cada esteno cinematográfico, en ocasiones ¡Antes de que comience a rodarse! me parecía muy bonita la idea de proponer hacer cine clandestinamente, ocultando cualquier tipo de detalle a la prensa, las redes sociales o amigos y familiares. El secretismo del centenar de profesionales de la industria espeñola que apoyaron el estreno colectivo de #littlesecretfilm el 1 de febrero ha sido ejemplar. La sorpresa de la iniciativa ha basado su efectividad en el secreto, estamos muy agradecidos por haber respetado la magia que el proyecto proponía.

Se apuesta (y se exige) por el formato digital, ¿Piensas que ese soporte revolucionará al cine? ¿De qué modo?

Ya lo ha revolucionado, ¿no? El digital ha favorecido la creación musical, literaria, cinematográfica… a niveles estratosféricos. Solo se necesita una buena idea, y presupuesto para llevarla a cabo. Ya no hay excusas para no dirigir cine hoy en día.

¿Por qué la exigencia de rodar durante 24 horas seguidas?

Para animar a la instantaneidad de la creación y poner una restricción tan extrema para la producción de un largometraje. Como una norma que anime a la producción y al visionado de las obras por el riesgo que todo ello conlleva.

Una de las normas es no trabajar con guión dialogado previo para favorecer la improvisación y el azar. ¿Cómo se enriquece la creatividad gracias a ello?

Manic 1Mediante dinámicas de improvisación con los actores y actrices. En mi caso, con mi #littlesecretfilm Manic Pixie Dream Girl, basé el desarrollo de la historia en una escaleta y una trama muy estrictas para luego jugar a la libertad total de reacción y diálogos improvisados por parte de Rocío León. La improvisación es un campo tan abierto, podemos jugar con ella mediante infinitas posibilidades. Creación de historias a medida que avance la trama, creación de personajes, diálogos… el objetivo principal era abogar por un hiperrealismo en las interpretaciones, libre de cualquier encorsetamiento de guión.

Sin ánimo de lucro, los films deben estrenarse online y adscribirse a una licencia creative commons, ¿Es esto una apuesta por la cultura gratis? ¿La ausencia de incentivos económicos no limita el perfil de quienes puedan participar en estos tipos de iniciativa (gozar de ingresos que te permitan trabajar por amor al arte)? ¿Acaso la no remuneración es un estímulo para la creación (se oyen voces que lo niegan rotundamente)?

En ningún momento #littlesecretfilm aboga por la cultura libre o el ‘todo gratis”. La mayoría de realizadores de #littlesecretfilm tenemos otros proyectos en la industria cinematográfica tradicional (Producción, distribución, exhibición) o en internet que sí intentamos monetizar. Sin embargo, aparte de ellos, también queríamos regalar una obra a los espectadores, una obra que no busque rentabilidad económica sino una rentabilidad emocional, basada en el número de visionados, el número de personas que disfrute con tu película. Hacer partícipes a los espectadores de la producción de un largometraje no basada en pre-ventas, patrocinios, apoyos o subvenciones. ¿Limitar la creación? Al contrario, en mi opinión creo que la financiación privada fomenta la creación ya que iguala a todos los realizadores a producir su obra sin ninguna ayuda o beneficio de estatus de acceso a patrocinadores.

Hay muchos profesionales que ven Internet como una amenaza al propio cine. ¿Qué les dirías? ¿Cómo se puede coordinar la explotación comercial con el trabajo libre en la red?

Internet es una perfecta ventana para distribuir cine pero debemos de encontrar fórmulas para rentabilizarla. A los espectadores nos encanta ver películas en una pantalla grande, en DVD o en internet. No se tratan de ventanas de distribución antagónicas, sino paralelas. Con nuestras películas y proyectos hemos de crear modelos de negocio para cada una de ellas. No se excluyen unas a las otras. En definitiva se trata de consumir audiovisual.

Manic 3

El 1 de febrero se lanzaron 15 largometrajes simultáneamente ¿Sabían los participantes de los otros proyectos? ¿Hubo algún intercambio o colaboración?

Sí, creíamos imprescindible la transparencia con todos ellos. A cada nueva incorporación clandestina de cara al estreno colectivo íbamos informando al resto de realizadores. Diversas colaboraciones e intercambios fueron sucediéndose entre proyectos de ciudades afines. De esta manera, desde septiembre de 2012 creamos un sentimiento de unión en todos nosotros, un secreto colectivo que sería desvelado el 1 de febrero de 2013.

Tú mismo participas con el largometraje, Manic Pixie Dream Girl, ¿Cómo fue la experiencia? Cuéntanos alguna anécdotas del rodaje.

La experiencia fue muy intensa. Después de tanto tiempo centrado en el documental, volvía de nuevo a la fición de una manera tan extrema. Por suerte tenía una actriz y un equipo técnico que han hecho que la película que podéis disfrutar a día de hoy sea la que tenéis ante vuestros ojos. Me encuentro muy satisfecho con el resultado. Les estoy muy agradecido. 21 horas de rodaje ininterrumpidas y muchos meses de esfuerzo. Los 3500 visionados a día de hoy que la película registra son el mejor regalo para todos nosotros.

Manic Pixie Dream Girl (Making of) from Pablo Maqueda on Vimeo.

Manic Pixie Dream Girl demuestra las grandes capacidades de Rocío León, ¿Cómo pensaste en ella para el film? ¿Cuál fue su contribución a la historia?

Manic Pixie Dream Girl es Rocío León. Desarrollando su personaje, Aurora, en mi próximo largometraje Viva la Sangre comencé a dar vueltas a la idea de trabajar con ella en solitario explotando todas sus facetas que conocía bien por tantas conversaciones juntos preparando el personaje. Por ello quise plantear MPDG como una película con/por/para ella como único personaje.  Un largometraje en que ambos creáramos al mismo nivel en la historia, sus referencias, sus matices… Su contribución interpretativa es evidente, la historia y diálogos han sido todos contrastados con ella, su excelente dominio para la canción interpretando las canciones de Roma Rises… trabajar con Rocío siempre es un placer.

Tu mismo compones la música, cuéntanos cómo fue esa labor, ¿Eres consciente de hasta qué punto es pegadiza la canción principal?

Manic RomaCrear atmósferas y estéticas visuales es la razón por la que nació mi vocación por el cine. Es un objetivo que ha llegado ha llamar más mi atención incluso que el contar una historia. Y Manic Pixie Dream Girl pretende reflejar una estética que todos conocemos muy bien, demasiado: Internet, lo digital, la generación videoblogger, Youtube. Y en este caso me sentía capaz de complementar esas atmósferas musicalmente con mi proyecto musical en solitario “Little Toys”, en el que compongo con mucho sintetizador, instrumentos de juguete, ukeleles… El Score de la película pretende reflejar la infancia y lo digital, lo adolescente del mundo vlogger, y a su vez rendir tributo a muchos compositores con espíritu infantil, fantástico e inocente. Desde composiciones y ritmos asiáticos similares a los de Studio Ghibli o compositores como Katsuhiko Maeda o Joe Hisaishi hasta composiciones más electrónicas pop como las de Michael Andrews o Mark Mothersbaugh, a más intimistas y acústicas como las de Jon Brion o  Gustavo Santaolalla. La idea de crear una electropop star de la actualidad, con su EP propio, portada, videoclip, posters, canal de twitter…. era una idea muy atractiva como para dejarla pasar en esta película. Con Roma Rises he pretendido rendir homenaje al pop naif de cantantes como Katy Perry o Robyn. El primer single de Roma Manic Pixie Dream Girl se había convertido en un hit, la canción más escuchada en Youtube de todos los tiempos. ¡Su pegadizo estribillo debía de estar a altura de la trama! Podéis escuchar al completo la BSO de la película y el ep de Roma Rises en la web de la película www.mpdgfilm.tumblr.com

Vayamos al trasfondo. Tu película incide sobre varios males de la red, la multiplicación de personalidades, los trolls, los fakes, el cyberbullyng. ¿Son males endémicos? ¿No reducen, hasta cierto punto, al absurdo la web 2.0? ¿Qué modelo de Web te gustaría?

Tenemos un modelo web que se ajusta a cada país, al igual que la TV que posee cada país. Lo precioso y destructor a la vez de la red es que se trata de un espacio de libertad (¿Si o no? El debate es amplio), en ocasiones usado amoralmente, y en muchas otras para el beneficio común.

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En tu película, Internet se ve casi como asesino social que hay que detener, sin embargo con #littlesecretfilm tu te decantas por la red como vía de expresión y difusión. Explícanos la paradoja.

Sí. Es una contradicción muy evidente. Simplemente se trata de contar una historia que espero apasione a los espectadores por su crudeza y el realismo mágico que plantea la película con la vocce sensibile y el fin de internet. #littlesecretfilm no pretende acotar temáticamente ninguna historia, la paradoja es algo anecdótico.

Paul Mockapetris, uno de los padres de la red y creador del DNS, sostenía en una entrevista que las redes van a ir sustituyendo el cultivo del ego por la utilidad. ¿Estás de acuerdo? ¿No va un poco en esa línea #littlesecretfilm?

Sí, bastante. De hecho, internet ha llevado el pragmatismo al extremo a nuestros hogares. Las ideas son desechadas con una rapidez pasmosa. Esperamos que #littlesecretfilm no sea devorado por la rapidez y las modas de la red y poco a poco construya un modelo de producción sólido y continuo en el tiempo con un amplio carácter evolutivo.

Y acabamos, ¿Qué aceptación ha tenido #littlesecretfilm? ¿Cuál esperas que sea su continuidad y alcance?

Desde hace apenas diez días #littlesecretfilm ya registra más de 20.000 visionados, estamos muy satisfechos con la aceptación de los espectadores. Que disfruten con las películas es nuestro objetivo y el feedback en twitter con el hastagh #littlesecretfilm, en prensa y críticas no podía ser más positivo. Estamos muy agradecidos. El alcance y la continuidad del modelo depende de que sea apoyado por los cineastas españoles e internacionales. Por ello hemos estrenado quince películas de todo tipo, para presentar el modelo pragmáticamente y de ese modo animar a la comunidad cinematográfica española y mundial a disfrutar del cine estrenando en la red. ¿Os animáis?

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Sólo nos queda darle las gracias a Pablo y, como no, invitaros a ver su pequeño film secreto. Que lo disfrutéis tanto como nosotros.

Manic Pixie Dream Girl (An internet love story) from Pablo Maqueda on Vimeo.

Apostando por el cine de bajo presupuesto, llega #littlesecretfilm

Los libros de historia del futuro pondrán un epíteto con el que definir la época que nos está tocando padecer. Una crisis que ya ha cumplido casi siete años y a la que no se le ve fin. Y es que es más que una crisis económica, es la crisis de todo un modelo. La tecnología ha tenido su parte en la función obligando a reconvertir no pocos sectores, entre ellos el cine. La facilidad con la que podemos ver cine sin pasar por los circuitos tradicionales es cada vez mayor de ahí que se hayan oído muchos lamentos por parte de la industria empeñada en destacar lo negativo y omitir deliberadamente los aspectos positivos que ello puede tener.

Entre los aspectos que han cambiado en la nueva era tecnológica está el hecho de que hacer cine cada vez está al alcance de más gente con el abaratamiento que le ha supuesto todo lo digital. No hace falta siquiera recurrir a cámaras profesionales ni a programas de edición complejos para obtener brillantes resultados, véase el siguiente vídeo como ejemplo (no me sean perezosos y denle al play que vale la pena):

Transformers from repey815 on Vimeo.

Lo que pueden ser malos tiempos para el mercado son buenos para el desarrollo de la creatividad. Así lo han entendido los promotores del proyecto #littlesecretfilm. ¿En qué consiste tal proyecto? Se pretende un impulso al cine basado en un decálogo, como tantas otras veces ha ocurrido, la diferencia es que aquí no se ponen cortapisas a la libre elección de recursos expresivos (como si ocurría con el Dogma) sino que las premisas aluden a la  creación y distribución de las obras que se acojan a esta empresa. Es pues un proyecto que apoya a una nueva producción según diez normas para alentar a todos a adentrarse en el mundo de la realización cinematográfica. No pretende convertirse en escuela o movimiento sino que impulsa un nuevo modelo no comercial de producir filmes basado en el riesgo, la improvisación y el azar frente al largo proceso convencional. Apuestan por Internet como ventana de distribución gratuita (lo que no quiere decir que se apuesta por la cultura del todo gratis) amparando las obras a una licencia creative commons. Rodados mediante cámaras HD, sin guión dialogado previo, con un equipo reducido (máximo 10 personas) se rodarán durante 24 horas consecutivas. #littlesecretfilm se manifiesta como un acto de amor al cine, de apreciación del arte por el arte como respuesta alternativa a la industria lucrativa.

piccolograndeamore

Puede parecer algo de locos, se podría sospechar que interesará a pocos (todos tenemos que comer), pero el reto está ahí y desde el primer día de este mes ya podemos disfrutar de las primeras 16 obras colgadas en la página web del proyecto. Serendipia se ha adentrado en el visionado de algunos de estos filmes, como es Piccolo grande amore dirigida por el crítico de cine Jordi Costa.

Piccolo Grande Amore (2013) #littlesecretfilm from Jordi Costa on Vimeo.

cartel costaJordi Costa parte de su amor por la cultura popular, concretamente acude al fenómeno de la canción italiana, y por el giallo, para ofrecernos una cinta plagada de frases brillantes con formato de cine experimental sobre la fuerza que nos rige: el amor (y según reza en la sinopsis esto es lo peor que podría habernos pasado). Dos acciones paralelas desarrollan la trama: por una parte asistimos a una reunión de tres amigas que acuden a una particular quedada de su grupo de Internet formado a partir de la afición a la canción italiana; por otra, vemos a un personaje, que podría ser el sosias del Monsieur Merde de Carax, contándole a un niño lo que cree son las intenciones de estas tres nornas, estas tres brujas de Macbeth, en definitiva de estas tres madres de Argento. Ni que decir tiene que los momentos más hilarantes del film vienen de la mano de este indigente interpretado por un excelente Ignatius Farray, especialmente cuando analiza el vídeo de Dyango y Pimpinela, para aplaudir. En la película de Costa encontramos muchos de los tópicos que definen nuestro presente, la llamada cultura del apocalipsis, el efecto de la red de redes en nuestras relaciones interpersonales, nuestra vivencia del amor, el sentido de nuestros actos que empiezan a morir justo cuando nacen, la dialéctica entre lo masculino y lo femenino etc. Todo ello hacen de este experimento algo digno de tener en cuenta. Si hubiésemos de ponerle un pero, sería el de que la acción de las tres mujeres parece más teatro filmado que auténtico lenguaje cinematográfico.

cats

Si Costa viene a hablarnos del poder destructivo del amor su compañera en Mondo Bruto, Jimina Sabadú, nos habla, en su pequeño film secreto La pájara, de  la mezquindad, la gente que vende cosas por Internet, los enfermos que abusan de su condición, y las personas que aman a todo el mundo menos a quien tienen más cerca.

Jimina

Una historia realista, pero con muñecos, así la define su sinopsis, La pájara está narrada al modo de los cuentos infantiles. Esa estructura de por sí ya abre paso a la narrativa fantástica y se afianza aún más en lo fantástico por su humor de absurdo y surreal que la pone en referencia con ese film de culto que es Amanece que no es poco. Como en la película de Cuerda los diálogos son su mejor baza, evidencian la formación literaria de su directora y acaban de abundar en sus aires de fábula grotesca. No dejéis de disfrutarla y seguid buscando al hada de las albóndigas: http://www.vimeo.com/58176529

Si Jordi Costa y Jimina Sabadú han optado por el humor, Álex Mendíbil (aka Álex Zinéfilo) apuesta por el drama para hablarnos del cine, de los caprichos de la percepción, del poder de las imágenes. Mendíbil, en su pequeño film secreto, Undo Infinito, nos ofrece todo un brillante ejercicio de cine dentro del cine en el que hace de la interpolación textual un arte.

UNDO INFINITO from Álex Mendíbil on Vimeo.

Como argumento nos cuenta la peripecia de Marta, una editora de vídeo, que tras sufrir un accidente de amargas consecuencias, se encierra en su trabajo hasta la obsesión, de tal modo que deja de distinguir entre lo que ha visto o vivido analógicamente y lo meramente digital. La historia de Marta y su esposo avanza a golpe de diálogos en plano fijo que con sutiles indicios nos va mostrando la degradación de la pareja tras el accidente. La vida de Marta (¿la real?) se nos cuenta desde la deconstrucción del tiempo diegético, del presente de la acción pasamos a momentos pasados sin solución de continuidad entre el ahora y el antes. Pero Undo Infinito va mucho más allá de contarnos una anécdota argumental, lo más interesante del filme es cómo se van interpolando diferentes textos audiovisuales, desde la película de serie B que está preparando para su edición hasta el vídeo doméstico, pasando por imágenes documentales. El cine, esa imágen con duración, ya no requiere de soporte físico todo es código binario, la ausencia de película diluye la diferencia entre original y copia y, más lejos aún, ya no permite distinguir entre lo captado en un instante con lo que ha sido manipulado digitalmente; basta con dar un paso más para apelar a qué va a quedarse fijado en nuestra memoria. Sumergidos como estamos a la presencia constante de imagen, la ilusión óptica va viéndose magnificada hasta el punto de que perdemos conciencia de qué hemos experimentado y qué conocemos sólo por su imago virtual. Así nos lo va contando Mendíbil con su inteligente puesta en escena, la confusión de Marta queda expuesta ya desde la primera escena en la que hábilmente se coloca en el punto de fuga la imagen de vídeo que está revisando, nuestra vista se proyecta constantemente hacia él, la inteligencia del plano nos obliga a tomar una actitud reflexiva ante esta propuesta visual. Ironía Brechtiana bien entendida, Undo Infinito, funciona bien en todos los niveles de lectura que se plantea, es una obra de muy buena factura tanto en sus aspectos artísticos como técnicos. Para verla y revisarla.

littlesecretfilm

Valgan estas tres breves reseñas como presentación de lo mucho bueno que nos ha traído #littlesecretfilm. Es todavía pronto para valorar el alcance que puede tener esta iniciativa, de momento lo que nos consta es que tuvo muy buena acogida por el público en su lanzamiento. Más de 10.000 visionados habían apoyado su estreno el fin de semana pasado, llegando a convertirse en trending tópic en la ciudad de Madrid. Lo que está claro es que estamos ante el trabajo de los pioneras del siglo XXI en el que el lenguaje audiovisual está llamado a renovarse. Larga vida al proyecto.

Categorías:Cine Club

Mamá: nueva vuelta de tuerca

“Cuando despertó, el dinosaurio aún estaba ahí”. El relato de Monterroso incluido en Obras Completas y otros cuentos, es el más breve que se haya escrito nunca. Puede parecer que se trata de una boutade, pero la mínima obra del guatemalteco resume toda la teoría del cuento. El cuento como género literario se distingue por ser un nudo narrativo en el que transcurre una acción de la que se intuye un antes y un después, en Monterroso tenemos un tiempo que alude a un pretérito en el que un sujeto tuvo su pasado, un momento presente en el que transcurre una acción y un futuro suspendido (¿Por qué estaba allí el dinosaurio? ¿Qué pasará después cuando se mantiene su presencia?). La misma lógica del cuento es la que rige en el cortometraje como género cinematográfico. Andrés Muschietti conocía bien esa lógica de la brevedad cuando en 2008 dirigió su corto Mamá, una de las piezas más breves que ha dado la historia del terror que en su concisión ofrece un relato sugestivo y aterrador de gran factura técnica:
Si el cuento es proporcional al cortometraje, un largometraje lo es a la novela. En la estructura de una novela (más allá de que dinamite o no la secuencia temporal) se ha de dar un inicio que introduce el conflicto que se expone en toda su amplitud en el nudo y concluye en el desenlace (se juegue o no al final abierto). Muschetti, de la mano de Guillermo del Toro, ha sabido adaptar su pieza breve a la lógica del largometraje, arropando a esas dos hermanas que huyen entre susurros con una trama que explica su miedo y que muestra el final de su historia. Y su adaptación a un nuevo metraje la ha resuelto con éxito, un éxito que explica su afortunada recepción por la taquilla en EE.UU.
Mamá, el largo, es un relato sobre las dimensiones del pánico y, como antes hizo Henry James, presenta una nueva vuelta de tuerca al tomar como protagonistas a dos niñas. Victoria y Lilly son secuestradas por su padre homicida en una oleada de terror colectivo, cuando el padre muere por causas extrañas las dos niñas quedan abandonadas en una cabaña perdida en el bosque, estarán allí durante cinco años cuando las rescaten se descubrirá que han sobrevivido gracias a su imaginación. Son encontradas gracias a la contumacia de su tío paterno que acabará adoptándolas gracias a un programa psiquiátrico destinado a estudiar fenómenos como los de niños salvajes. En ese marco se presenta la extraña comparecencia que las lleva a huir. Así el argumento del corto se convierte en motivo del largo.
Guionizada y dirigida por el propio Muschetti en colaboración con su hermana, la película queda amparada por la larga sombra de Guillermo del Toro quien como productor vuelve a apostar por un joven talento. Igual que en la ópera prima de J. A. Bayona (El orfanato, 2007) la presencia de del Toro se hace notar en el tono oscuro de una fotografía creadora de atmósferas como antes lo había hecho como director (en concreto evocábamos a Mimic, 1997). Porque Mamá es una película de ambiente, la opresión de esa fotografía pende sobre toda la cinta y dota de una profundidad dramática una historia que en el fondo juega con las convenciones decimonónicas del género.
lily and victoria in MAMA
El tono de relectura de lo gótico asoma desde los títulos de créditos que se suceden al prólogo (y cuánto nos gusta que se cuide de los créditos iniciales tan olvidados hoy en día) dibujos infantiles que cubren mohosas paredes como si fueran pinturas rupestres, o cómo la inocencia puede dar pavor. Y la música de Fernando Velázquez pone el resto, compone una banda sonora que juega a dos niveles que se entrecruzan: los temas breves que buscan la impresión del espectador cuando la imagen introduce el sobresalto; y los otros más desarrollados que acompañan esa atmósfera que hemos descrito, que no se ocupan de generar impresiones emocionales inmediatas sino de recrear espacios y ambientes también terroríficos, destinados a engrandecer y multiplicar el poder del peligro que amenaza a los personajes.
mama6mama-2013Todo el arranque se aparece como un cuento tradicional, con el bosque, el lago y la cabaña escondida, como figuras narrativas. Después volvemos al plano real, la recuperación de las niñas, salvajes ya después de su largo extravío, con la extraña fuerza que las acompaña y que el psiquiatra explica como fruto de su imaginación mezclada con el afán de supervivencia. Instaladas a medio camino entre la sociedad y el aislamiento, el comportamiento de las niñas introduce la inquietud, sobre todo para Annabel (una soberbia Jessica Chanstain), la compañera del tío paterno, a la que esta maternidad le viene impuesta contra su instinto. Sólo la mayor, Victoria, ha conservado el lenguaje, la pequeña, Lilly (que sólo tenía un año cuando desapareció) está prácticamente tomada por la ferocidad de la naturaleza, pronto se verá que la dialéctica entre socialización y bestialidad generan distintas reacciones ante lo que sobrepasa los límites de lo empírico, que es casi tanto como los límites de la cordura.
mama-jessica-chastain-poster-656El filme, pues, revisa los cimientos de la enajenación, pero será para llevarlos a la conexión con lo fantástico. Tal vez nuestra razón lúcida no cubre todo el espectro de lo existente. Así, lo que en principio se diagnóstica como personalidad disociada es sustituido por la convicción de que el monstruo es real; siguiendo esa evolución de planteamientos, se nos irá desvelando la imagen de la presencia aterradora. Nuevamente la música de Velázquez se convierte en pauta con la que leer la profundidad de esas emociones, con un tema principal a la par bello y siniestro con el que logra explicar lo que de otra manera sería difícilmente explicable: las razones de la bestia. Si somos naturaleza, parece decirnos, seremos pulsión y nos dejaremos llevar por los instintos más básicos sin vacilar en causar dolor si es necesario para nuestras apetencias. En cambio, si nos quedamos del lado de la palabra conseguiremos reconducir los sentimientos hacia la positividad (ese lado bueno de las cosas que es motivo central en la película de David O. Russell). Contrastan de ese modo las dos madres, Annabel la mujer que no desea hijos, que no tiene la marca del instinto, frente a la mujer aparecida que sigue buscando alguien a quien llevar a su regazo aunque sea llevándoselo al reino de la muerte. La segunda es una máscara de la maternidad más asilvestrada, más salvaje, que no repara en nada, en cambio la primera es fuente de domesticación y apaciguamiento. El final salomónico parece decirnos que ambos rostros de la figura materna tienen razón de ser, mientras la música nos permite empatizar con el monstruo en su melancolía.
Mama_(2013)_-_Theatrical_Trailer_for_Mama
Terror protagonizado por niños, es inevitable pensar en Clayton y su adaptación del relato de James, como inevitable es tener la sensación de que The innocents (1961) puso el listón tan alto que ninguna otra película podrá estar a la altura. Sin embargo, esta ópera prima tiene buen pulso. Mamá es un filme con un ritmo creciente que nos lleva de la mano manteniendo nuestro interés hasta el clímax final al que no le sobrevendrá ningún epílogo. Tal vez la excelencia del corto no está en esta adaptación al largo, pero la cámara de Muschetti sigue siendo igual de inteligente jugando con las presencias y las ausencias, los travellings imprescindibles y los planos secuencia como pilares de su ritmo pausado y firme a la vez. Buen cine de terror que no se aparta de los cánones de los relatos de fantasmas,  lo que nos ofrece Mamá es una película eficaz sobre todo en su atmósfera de inocencia, melancolía e instinto. Esa misma atmósfera que nos acompañará al salir del cine junto al buen sabor de boca.
Categorías:Cine Club, Terror en Corto
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